Las chicas de Yeses estrenan su nueva obra

La Comunidad de Madrid celebra estos días el inicio del festival Suma Flamenca 2023, el principal encuentro de este arte de España abierto a la creación, la experimentación y la reelaboración del cante jondo clásico, que se celebra en la capital y tres municipios de la región hasta el 5 noviembre. Y, además, la X edición de la muestra de creación escénica Surge Madrid en Otoño, se encuentra en su penúltima semana de programación, con lo mejor de la actividad de la red de salas alternativas y de pequeño formato de Madrid.

Bajo el lema Crisol Flamenco, 198 artistas han sido convocados para actuar en 44 espectáculos de cante, baile y guitarra. El primero de los estrenos del festival lo protagonizará Ana Morales con su trabajo Más que baile (Teatros del Canal, viernes 20), en el que ofrecerá una colección de piezas inéditas que viajan desde el minimalismo y la abstracción al corporativismo y a la totalidad. Al día siguiente, al mismo escenario llegará el lenguaje del baile flamenco de la mano de Estévez & Paños, que mostrará en La confluencia.

Por su parte, el Teatro de La Abadía acoge el viernes 20 uno de los recitales más esperados de esta edición, el del cantaor sevillano José de la Tomasa. Mientras, ese mismo día, el Centro Cultural Pilar Miró ofrece otro de los estrenos más destacados, Cante en armonía, donde David Pino reúne un repertorio clásico de estilos como la soleá, los tangos, las seguidillas o los fandangos de Córdoba.

La lectura del poema La cabellera de la Shoá del poeta Félix Grande impactó a la bailaora Fuensanta La Moneta de manera tan brutal que decidió convertirlo en Frente al silencio. Este espectáculo, estreno en la Comunidad de Madrid, se exhibirá en el marco de Suma Flamenca el sábado 21 (Teatro de La Abadía). Recoge en el baile el grito de dolor de las víctimas y la maldición eterna para los verdugos nazis que asesinaron a las mujeres en Auschwitz.

Otra bailaora, Estela Alonso, hace suya la reivindicación de la escuela bolera en A mi manera 2.0 (sábado 21, Centro Deportivo Cultural El Corralizo, de Colmenar del Arroyo). La artista madrileña hace evolucionar este género y lo lleva a la actualidad, enriqueciéndolo con los ritmos flamencos y la danza contemporánea, quitándole a la escuela bolera la etiqueta de algo arcaico y de otro siglo.

De la unión y el trabajo de Leonor Leal (bailaora), Perrate (cantaor), Alfredo Lagos (guitarrista) & Proyecto Lorca (saxo y percusiones) ha surgido Carretera Utrera-Jerez, que se estrena en Teatros del Canal el domingo 22. El espectáculo invoca ese espacio geográfico como expresión flamenca, que, según el artista y especialista en flamenco Pedro G. Romero, es bandera de una de las caras de la modernidad del arte jondo.

El Centro Cultural Pilar Miró ofrecerá el sábado 21 el homenaje que el guitarrista Pedro Barragán dedica a Perico el del Lunar en Zambra 1954; y el domingo 22 albergará la cita que cerrará la primera semana del festival con una fiesta en la que un veterano curtido en mil aventuras flamencas, Enrique Pantoja, acompañado en el cante, el baile y la sonanta flamenca por un gran elenco de maestros del compás, invita al público a revivir la época dorada de los tablaos.

Por su parte, la muestra Surge Madrid en Otoño, auténtico laboratorio para ensayar nuevas fórmulas, indagar en asuntos actuales o suscitar controversias, continúa con su programación.

Entre las representaciones más destacas se encuentra Dios bendiga a Tiny, de la compañía La Tarara. Se trata de una pieza sobre la humanidad y la imperfección, que podrá verse el viernes 20 en la Sala Tarambana. Ese mismo día se exhibe en la Sala Bulubú 2120 La inauguración, una sátira contra el consumismo como fundamento de la felicidad, escrita en 1975 por el dramaturgo y expresidente de la República Checa, Václav Havel, y dirigida por la actriz y creadora Coral Ros.

Testimonios del escritor Antonio Gala sobre el amor -y sobre cómo estos evolucionan a lo largo de su vida- constituyen el cañamazo de Gala literal, escrita, dirigida y cointerpretada por Ernesto Artillo, que representa el 21 y 22 de octubre en Réplika Teatro | Centro Internacional de Creación.

A la androginia y la mitología remite Dioscures (Teatro Pradillo, 20 y 21 de octubre), una creación coreográfica de [lodudo] producción y Marta Izquierdo Muñoz. La amistad y creación son los motores de Sollertinsky, que Becuadro Teatro representa estos mismos días en la Sala Cuarta Pared. El nombre de esta pieza de Julio Provencio es el de un erudito ruso que en los años 30 y 40 del siglo XX apoyó y estudió la música y la creación escénica que se hacía dentro y fuera de su país.

En la sección Actividades Transversas, se estrenan tres obras: Sinapsis (del 20 al 22 de octubre, en los vestíbulos de la Sala Bululú, AZarte y el Teatro La Usina), en torno a una performance que nunca sucede; Que vienen los grises. Un paseo de violetas (sábado 21, en El Curro DT), que evoca el tiempo del franquismo en que la homosexualidad y la bisexualidad, así como cualquier ruptura con el binarismo de género, se consideraban no sólo pecaminosas sino, además, delito y enfermedad; y Doña Algodón (domingo 22, en la anexa de DT Espacio Escénico), el retrato de una mujer de efímera vida, escrito por Manuel de Sala e interpretado por Carmen Mayordomo.

Dentro de este mismo apartado, este fin de semana vuelve a haber función de Pequeño payasiyo (20 de octubre, en el ambigú de la Sala Tarambana) y de La poesía y el discurso (el 22, en el ambigú de exlímite).

Los Teatros del Canal acogen hasta el 22 de octubre, en la Sala Roja, el último trabajo del director Andrés Lima, La comedia de los errores, mientras a la Sala Verde llega la propuesta de los chilenos Teatro La Re-Sentida La posibilidad de la ternura, que narra la historia de un grupo de jóvenes que decide resistir al mandato cultural que les impone ser agresivos y autoritarios.

Por su parte, la Sala José Luis Alonso del Teatro de La Abadía contará hasta el día 22 con el estreno de Búho, escrita por Diego Lorca y dirigida e interpretada por el propio Lorca y Pako Merino, fundadores de Titzina. Se trata de un espectáculo en búsqueda de la memoria, un viaje subterráneo para hablar de las profundidades de la memoria y del ser.

Este fin de semana se podrá disfrutar también de un buen número de conciertos de Radar Joven: Los Valientes, Quincalla, Unsalto, Marenitas, Alcalá Norte, Lucy Morry, Nueve desconocidos, Bueno Perdona, Hazme Caso, Marcielin y Andrea Buenavista. La segunda edición de este ciclo que apoya la música emergente en la región se celebra hasta el 31 de octubre, en 25 espacios de la asociación Madrid en Vivo.

A muchas de estas iniciativas se accede a través del Carné Joven que actualmente poseen 575.000 madrileños, de entre 14 y 30 años. Entre las ventajas que ofrece figuran precios reducidos en transporte, ocio, formación, viajes, alojamientos o conciertos.

Las diferentes salas y museos regionales ofrecen una variada oferta con propuestas como la exposición Cartas al director, en la Sala Canal de Isabel II, que ofrece la mirada de la fotógrafa Cristina de Middel a través de proyectos anteriores y más recientes que se muestran por primera vez de manera amplia.

Destaca también la propuesta de la Sala Alcalá 31, Dime quién eres Yo, que, hasta el 14 de enero de 2024, reúne una extensa selección de obras de Luis Gordillo de los últimos veinte años y analiza en profundidad las líneas de investigación más destacadas de este último periodo.

La sala de exposiciones Cristóbal Portillo del Complejo Cultural El Águila, presenta Los 20 del XX. Un garbeo por Madrid, un recorrido por la metrópolis que en aquellos años tenía a la calle de Gran Vía como arteria principal de una ciudad cosmopolita, con sus edificios monumentales, sus lujosos establecimientos y los primeros semáforos, que regulaban un tráfico caótico. Los fondos documentales del Archivo Regional se convierten en el hilo conductor de esta visión fidedigna de aquella década, a través de 100 imágenes, con un nutrido material documental de planos, carteles, revistas y correspondencia.

La Biblioteca Regional de Madrid exhibe hasta el 12 de noviembre la retrospectiva Buero será su obra, dedicada a la vida y la obra de Antonio Buero Vallejo, que incluye documentos que se conservan en la propia Biblioteca como parte del Archivo Personal del autor.

Hasta el 5 de noviembre, la Sala de Arte Joven muestra Easy Apply! Una generación de Slashers y Early Burnout, uno de los proyectos ganadores de la XIV edición de la convocatoria Se busca comisario, que apuesta por nuevos modelos curatoriales, facilitando el acceso al mundo profesional.

El Museo Centro de Arte Dos de Mayo-CA2M, ubicado en Móstoles, continúa con las exposiciones Juan Muñoz. En la hora violeta, dedicada a la producción del artista durante la década de los años 80, y Archipiélagos de lentejuelas. Colecciones del Museo CA2M y de la Fundación ARCO, con figuras pioneras fundamentales como George Tony Stoll o Andrés Senra.

La muestra Vistas. Paisajes urbanos de la Comunidad de Madrid, con sus 58 instantáneas de la vida cotidiana en los distritos de la capital y localidades de la región, se mantiene hasta este domingo en la restaurada Estufa Grande de los Jardines de la Finca Vista Alegre, en el distrito de Carabanchel.

Asimismo, la Administración autonómica colabora con diferentes instituciones en la promoción y difusión de la cultura, como es el caso de la exposición organizada por la Casa Encendida de Fundación Montemadrid, Picasso: Sin Título, o, en colaboración con Patrimonio Nacional, la muestra de fotografía que acogen los jardines del Campo del Moro, con imágenes de los Reales Sitios y la arquitectura y las principales obras de la Galería de las Colecciones Reales.

Matadero Madrid, centro de creación contemporánea del Área de Cultura, Turismo y Deporte, inaugura la exposición Periferia de la noche, una muestra que se podrá visitar hasta el 7 de abril de 2024, en Nave 16. La muestra, organizada por Matadero Madrid a partir de la idea original del Institut d’art contemporain Villeurbanne/Rhône-Alpes (IAC), y que fue posteriormente adaptada por Fabra i Coats: Centre d’Art Contemporani de Barcelona, es obra del artista y cineasta de origen tailandés Apichatpong Weerasethakul, quien, a partir de 13 piezas audiovisuales de creación propia, construye una atmósfera única en la que sumergirse y viajar a ese universo del que nacen todas sus películas.

Con esta exposición, Matadero Madrid pone de manifiesto la vertiente más artística de este creador, cuya carrera se ha desarrollado principalmente en el medio cinematográfico. Las 13 piezas integradas en Periferia de la noche llevan el imaginario de Weerasethakul más allá de las salas de cine, para conformar un todo expresivo y conceptual, en una instalación cuyo dispositivo de proyección contamina y se deja contaminar por el espacio y el público.

Apichatpong Weerasethakul propone una experiencia alternativa ante el audiovisual. Periferia de la noche sitúa al visitante frente a una o más pantallas que buscan fundirse con el entorno, con unas propiedades elásticas que también parece tener el tiempo, dilatado en planos largos y movimientos lentos, acompañado de un sonido envolvente.

Para ello, la exposición parte de una concepción expandida del cine que se despliega de la mano de este artista, para quien la imagen en movimiento es una extensión de nuestra alma, una interfaz que filtra los distintos procesos, visibles e invisibles, que animan nuestras vidas. Cada una de las piezas integradas en la muestra presenta un proyecto inmersivo en el que animales y humanos, fantasmas y bosques, vivos y muertos cohabitan y se tocan, en el abrazo de la oscuridad de estas filmaciones, como si la experiencia de la noche pudiera transformarnos y reactivar nuestro diálogo con lo vivo.

Entre el cine primitivo y la posmodernidad, reuniendo las creencias animistas más arcaicas y los descubrimientos neurocientíficos más recientes, sus obras muestran que ni el tiempo es lineal ni la imagen es una superficie plana. Se trata de una visión del mundo actual, presentado como algo ni estático ni uniforme, en el que ya no existe un flujo continuo entre pasado y presente, sino más bien una red de relaciones que interactúan y se mueven. Para Weerasethakul, el audiovisual es el modo más orgánico de enseñar esta realidad cambiante en la que coexisten distintas temporalidades en distintas formas de vida, humanas y no humanas, fuerzas visibles o invisibles que su cámara convoca y relaciona.

La entrada a la exposición es toda una declaración de intenciones, un Haiku donde la memoria de su país tiñe los sueños de un grupo de adolescentes, sintetizando el universo fílmico del autor. Después de este portal, la exposición entra en la intimidad creativa del cineasta: entre la poética plástica de Sakda (Rousseau) y la colorida silueta de Power Boy, se abre el laboratorio documental de sus Video Diaries, pequeñas pinceladas de sus intereses y restos de rodajes.

La exposición continúa atravesando el poder iniciático de la noche, viendo en ella una pantalla que es a la vez transparencia y reflejo, con las obras Fireworks (Archives) y Fiction. Y, todavía en la exploración de la noche, el autor invita a jugar con fuego entre escenarios cambiantes, agudizando nuestra percepción en Blue o incendiando directamente la pantalla en Phantoms of Nabua.

Hacia el final del recorrido, la propuesta invita a perder de vista la cámara (el nombre de la productora del artista es Kick the Machine), para revelar que la proyección se vuelve hacia los espectadores de la muestra, cual nuevos espíritus errantes: como los perros de The Palace, que rondan en el espacio expositivo, entramos a poblar sus filmes.

Y como cierre, la llegada del sueño en piezas como Teem, protagonizada por un antiguo amigo íntimo, o Durmiente, con Tilda Swinton descansando en el centro de la pantalla. En estas piezas, Weerasethakul recopila las imágenes registradas por amigos y familiares suyos en cámaras enviadas por él para que graben en ellas sus despertares, yendo más allá de la autoría.

La retrospectiva que Cineteca dedica este mes de octubre al trabajo en cine de este audaz creador incluye algunos de los títulos más destacados de su filmografía, como El tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas (Tailandia, 2010), película con la que el artista ganó la Palma de Oro en el del 63º Festival de Cine de Cannes, o Memoria (Colombia, 2021), su película más reciente, protagonizada por Tilda Swinton, con la que Weerasethakul obtuvo el Premio del Jurado en la edición de Cannes de 2021.

Además, esta retrospectiva reúne una amplia selección de sus cortometrajes, programados en cuatro sesiones con un total de 28 cortos filmados entre 1997 y 2020. Y el ciclo se completa con la programación de algunas de las películas favoritas de Weerasethakul, de autores tan dispares como Russ Meyer, Cassavetes o Kiarostami, que, escogidas por él mismo, dialogarán con su obra y ofrecerán pistas de sus referencias e influencias en el cine, dotando a su obra de nuevos significados.

Desde su debut en el año 2000, Weerasethakul se ha convertido en uno de los artistas fundamentales para comprender el devenir del medio cinematográfico en el siglo XXI. Ha dado forma a una obra única y sorprendente que nunca deja de cuestionar y ampliar los límites de nuestra idea del cine. Radicales, originales y fascinantes, sus películas se mueven con agilidad entre el realismo y la fantasía, entre el costumbrismo y el cine experimental.

Weerasethakul nació en 1970 en Bangkok, y creció en la ciudad de Khon Kaen, en el nordeste de Tailandia. Al margen de la industria cinematográfica comercial tailandesa y con el objetivo de promover el cine experimental e independiente, en 1999 fundó la productora Kick the Machine. Dos años antes había creado, junto con su amiga Gridthiya Gaweewong, el Festival de Cine Experimental de Bangkok, que presidió en tres ediciones, hasta 2008. Actualmente reside y trabaja en Chiang Mai (Tailandia).

Sus trabajos han tenido una importante presencia en los circuitos artísticos y cinematográficos internacionales, como la Bienal de Venecia (2019), la Bienal Sharjah (Emiratos Árabes Unidos, 2013), la DOCUMENTA 13 (Kassel, 2012), la Bienal de Liverpool (2006), la Bienal de Busan (2004) y la Bienal de Estambul (2001), así como en exposiciones individuales y colectivas en centros de arte como el Haus der Kunst (Múnich), el Walker Art Center (Minneapolis), el New Museum (Nueva York), el Irish Museum of Modern Art (Dublín) y el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris.

Ganador en 2010 de la Palma de Oro del 63º Festival de Cine de Cannes, su largometraje más reciente, Memoria (Colombia, 2021), obtuvo el Premio del Jurado en la edición de Cannes de 2021, donde también presentó The Year of the Everlasting Storm (Anthony Chen, Jafar Panahi, Laura Poitras, Dominga Sotomayor, Malik Vitthal, Apichatpong Weerasethakul, David Lowery, EE. UU, 2021), un conjunto de cortos codirigidos junto a otros cineastas y proyectados en una sesión especial.

El próximo sábado, 21 de octubre, tendrá lugar un nuevo estreno absoluto en el Teatro Circo Price, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, de la mano de la madrileña Puntocero Company y su proyecto Mahmud. Y no solo Mahmud. Durante dos únicos días, este espectáculo de circo y música mostrará la odisea de un inmigrante senegalés llamado Traoré hasta su residencia actual en España.

Mahmud. Y no solo Mahmud cuenta una historia real a través de la palabra, la acrobacia y las canciones en directo. La historia de un joven senegalés que parte de su ciudad natal en busca de trabajo en el país vecino, donde estalla una guerra civil. Lo que iba a ser un trayecto relativamente sencillo se convierte en una pesadilla por las consecuencias del colonialismo, por la falta de vías legales para una movilidad segura debido a la financiación europea a países como Níger y Marruecos para el control del movimiento migratorio, por la explotación laboral y el racismo.

La compañía madrileña Puntocero Company ha reunido un talentoso equipo multidisciplinar, bajo la dirección de Zenaida Alcalde, para llevar a escena la versión del libro Partir para contar, de Mahmud Traoré y Bruno le Dantec, donde se relata el viaje de Traoré hasta su residencia actual en España. Con un elenco de cinco artistas de circo y teatro -el actor Chumo Mata, la actriz y cantante de hip hop Dnoe Lamiss, y los acróbatas Elvis Kyengo Kakiti, Colins Ouna Opiyo y Joel Bwana Anabaka-, una dramaturgia visual y la adaptación textual directa y profunda de Silvia Albert Sopale, esta creación busca compartir y revindicar el relato de Mahmud, y no solo Mahmud.

Posteriormente, Teatro Circo Price colaborará también con una nueva edición de la feria estatal CircoRED Market acogiendo dos de los espectáculos de su programación: FuturoPasado, de Sweet Chilli Circus Company (24 de octubre), una obra escénica visual y arriesgada en la que se investiga un lenguaje propio que combina la danza, el lenguaje corporal y el circo contemporáneo, y Boira, de la Cia. Voël (25 de octubre), una propuesta poética y onírica que, mediante el circo y la música en directo, busca reflexionar sobre conductas afectivas modernas, necesidades materiales y lo etéreo de la vida en general.

La compañía Cíclicus, formada por artistas de circo mayores de 65 años, dirá adiós al mes de octubre con Vetus Venustas, un espectáculo donde se encuentran con artistas jóvenes de circo actual. En este viaje intergeneracional, que estará los días 27 y 28 de octubre, la compañía reflexiona sobre el horizonte como artistas y como seres humanos más allá de la edad, demostrando que es posible aceptar y adaptar los cambios de la vida, inclusive en el oficio del circo.

Abierta de 17:30 a 20:30 h, de martes a viernes. Los fines de semana la taquilla abrirá dos horas antes del inicio de la función, salvo las matinales, que abrirá con una hora de antelación sobre el comienzo del espectáculo. También se pueden adquirir las entradas en la Casa de la Panadería (Plaza Mayor, 27), de martes a domingo, de 10:30 a 14:30 h y de 16:30 a 20:30 h. Permanecerá cerrada los días 24, 25 y 31 de diciembre y 1 de enero. Más información y venta de entradas en www.teatrocircoprice.es

Cada vez se hace más difícil definir a partir de un solo género la escena contemporánea. El Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid está muy comprometido en estos últimos años con recoger este caudal de creación híbrida, ofreciendo hospitalidad a todos los lenguajes escénicos, como señala su director, Alberto Conejero, y promoviendo encuentros y diálogo entre disciplinas diversas. Entre el 9 y el 26 de noviembre, la 41ª edición del Festival de Otoño ofrece una programación más heterogénea que nunca, donde encontramos una quincena de propuestas en las que conviven con alegría y sin prejuicios la danza, la música, las artes del cuerpo y las artes sonoras en toda su potencialidad expresiva.

Dos de los cabezas de cartel de este año refieren claramente al mundo de la danza. Por un lado tenemos a Dimitris Papaioannou, que presenta un dúo de gran belleza física y plástica en los Teatros del Canal los días 23, 24 y 25 de noviembre. INK, donde el propio creador griego está en escena junto al bailarín alemán Šuka Horn, es agua y es cuerpo, es líquido y carne, naturaleza viva y desnuda, danza y lucha, mirada y gemido, silencio y luz. Es una pieza emparentada con otra anterior, Primal matter (2012), que partía también como dúo entre el hombre vestido y el hombre desnudo, artista y modelo, padre e hijo, hombre maduro y hombre joven en un baile de seducción y defensa. Por otro lado, tendremos a la gran Sasha Waltz con In C (Teatros del Canal, 18 y 19 de noviembre), que lleva al cuerpo las variables infinitas de la pieza musical homónima de Terry Riley, el padre de la música minimalista, de una manera libre, alegre y colorista, casi como una celebración de la vida.

Otro gran acontecimiento físico, donde asistiremos a un viaje agónico hacia los límites del cuerpo, se vivirá en el Teatro del Bosque de Móstoles el 22 de noviembre de la mano de la coreógrafa canadiense Catherine Gaudet. Esta creadora se presenta por vez primera en España con Les jolies choses / The pretty things, una obra que, en palabras de Gaudet, “muestra la fricción entre los ideales colectivos en los que nos proyectamos y la realidad del medio artístico actual”. Lo hace a través de una partitura rítmica que sigue la música maquinal de Antoine Berthiaume. No en vano, los cinco ejecutantes conforman una máquina humana en movimiento creciente que viaja hacia el éxtasis.

Entre Francia y Bélgica aportan, por su parte, tres propuestas que podrían considerarse teatro musical si este concepto no remitiera en el imaginario colectivo solo a lo que llamamos musicales habitualmente. Pero son tres oportunidades perfectas para comprobar que el teatro y la música conviven de muy diversas formas. Empezando por la inclasificable creadora belga Miet Warlop, siempre sorprendente. En One song, que es la pieza que nos trae al Centro de Cultura Contemporánea Condeduque los días 17 y 18 de noviembre, doce intérpretes entran en escena en un hipnotizante ritual sobre la despedida, la vida y la muerte, la esperanza y la resurrección. A través de la metáfora de una competición/concierto en directo, que incluye un comentarista y una animadora, Miet Warlop nos invita a formar una comunidad y levantarnos unos a otros, como en una celebración, a través de la escucha recurrente de una sola canción.

El ingrediente musical es igualmente central en la obra que viene desde el parisino Théâtre des Bouffes du Nord, Sans tambour, que veremos en el Teatro María Guerrero del Centro Dramático Nacional los días 17, 18 y 19 de noviembre. Se trata de una pieza dirigida por Samuel Achache que se construye sobre una dramaturgia no lineal a partir de la descomposición de una relación de pareja, con humor y melancolía y la compañía musical de los Lieder de Schumman. También hay mucha música en otra obra que llega desde Francia, Aria da Capo, producción del CDN de Orléans/Centre-Val de Loire con dirección y dramaturgia de Séverine Chavrier. El Teatro de La Abadía acogerá el 17 y el 18 de noviembre esta aproximación a la adolescencia protagonizada por cuatro jóvenes músicos que manejan tan hábilmente el piano como la cámara del teléfono móvil.

No queremos dejar de citar aquí otra propuesta que tiene mucho de teatro físico y de arte sonoro. Hablamos de MOS, una pieza de la bailarina y coreógrafa griega Ioanna Paraskevopoulou (visitó el festival hace dos años como parte del elenco de Larses C., de Christos Papadopoulos), donde se relaciona el movimiento con lo visual y con lo sonoro, a partir del trabajo inspirado en la técnica de los efectos foley, los efectos sonoros del cine. Lo veremos en los Teatros del Canal los días 17 y 18 de noviembre.

Con el foco puesto ya sobre nuestros creadores y creadoras, este año viviremos dos grandes aproximaciones a sendas compañías cruciales para entender la evolución de la danza contemporánea española: La Phármaco y Mal Pelo. En el primer caso, el colectivo que lidera Luz Arcas estrena en el Festival de Otoño su trilogía Bekristien / Tríptico de la prosperidad (Teatros del Canal, 25 y 26 de noviembre), un acontecimiento escénico de casi tres horas que promete ser inolvidable, donde se hace acompañar en parte de la obra por la música de Le Parody. La trilogía comienza con La domesticación, un bodegón vivo que derrocha exuberancia; sigue con Somos la guerra, que diluye la fiesta pagana de la primera parte para dar entrada a la fuerza del trabajo, al sudor y a las lágrimas que dan el pasaporte al paraíso; y termina con La buena obra, una “profecía visual sobre la obsolescencia”, en palabras de la propia Luz Arcas.

Por su parte, Mal Pelo comparece con dos títulos. En primer lugar veremos The Mountain, the Truth & the Paradise (Teatros del Canal, 22 y 23 de noviembre), un trabajo que, para Pep Ramis (el cincuenta por ciento de Mal Pelo junto a María Muñoz), nació de la necesidad de construir una ficción personal, de poner al día la experiencia de los últimos trabajos realizados e investigar sobre los intereses artísticos del momento. Se trata de un solo en el que el intérprete construye un universo poético que se pregunta sobre el sentido de lo divino y de lo vulgar, sobre la espiritualidad y la ignorancia, sobre la belleza y la banalidad. Ramis también está en escena en la segunda de las piezas de Mal Pelo que veremos este año en el festival, Double infinite. The bluebird call (Teatros del Canal, 25 y 26 de noviembre), esta vez junto a María Muñoz, donde volverán a bailar juntos y solos después de muchos años, para explorar algo que nace de la necesidad del cuerpo y de la necesidad de imaginar otro futuro.

La danza y la música se dan cita también en los Estudios elementales que reúnen al coreógrafo y bailarín Jesús Rubio Gamo (Premio Ojo Crítico de Danza y Premio Max al Mejor Espectáculo de Danza, ambos en 2020 por su impresionante e inolvidable Gran Bolero) y a la violinista Luz Prado, virtuosa que ha desarrollado una nueva técnica en la que toca con dos arcos. Juntos proponen un diálogo escénico donde comparten reflexiones en torno a sus medios de expresión respectivos, la música y la danza. Ambos tienen una formación clásica que reconocen como elemento identitario y sienten fascinación por traer a la superficie y hacer presente esta herencia canónica que subyace en sus disciplinas artísticas. Un presente absoluto hecho de la interacción entre el sonido de la música y el movimiento del cuerpo: ese acto primordial de dejarse llevar, de acompañarse hacia lo desconocido en busca de cierta forma de plenitud de ser. Lo veremos en el Corral de Comedias de Alcalá de Henares el 11 de noviembre y en la Sala Mirador los días 24 y 25 de noviembre.

Luz Prado estará también presente en la Apertura de proceso: Actos I y II de Alberto Cortés el día 15 de noviembre en los Teatros del Canal, en lo que será una oportunidad para profundizar en el próximo trabajo del creador malagueño, que deja entrar al público en su cocina para degustar los ingredientes que conformarán la pieza que estrenará el año que viene. Igualmente, danza y música se dan la mano a través del folklore en el encuentro que organiza e imparte la compañía Mucha muchacha junto a gente de la Sierra Norte de Madrid, con epicentro en La Cabrera. El resultado final de esta experiencia titulada Seré folkore estará abierto al público en el Centro Comarcal de Humanidades Sierra Norte de La Cabrera los días 18 y 19 de noviembre

Concluimos con tres propuestas donde música y teatro se dan la mano, tres formas muy diversas de acatar esta entente siempre cordial. De un lado tenemos a Miren Iza, musicalmente conocida como Tulsa, cuyo último trabajo, Amadora, va a tener continuidad escénica a través del trabajo que ha confeccionado junto a María Velasco, que escribe y dirige un espectáculo producido por Teatro Kamikaze. Con Socorro Anadón, Celia Bermejo y Carmen Mayordomo como actrices, las canciones de Tulsa se hacen carne para hablar de las madres que les parieron con una frase de Virginia Woolf como lema y bandera: “pensamos sobre el futuro a través de nuestras madres”. Amadora se verá tanto en Madrid, en los Teatros del Canal (11 y 12 de noviembre), como en el Real Coliseo de Carlos III de San Lorenzo de El Escorial (18 de noviembre).

De otro lado, la actriz Eva Rufo nos sorprenderá con un espectáculo donde la música electrónica y la poesía se encuentran. Hablamos de Yo deseo (recital electrónico de inconfesiones femeninas), donde comparte escenario con el músico Enrico Barbaro, bajo la dirección de Eduardo Mayo. El título lo dice todo. Se trata de un recital que tendrá lugar en Réplika Teatro el 11 de noviembre, un recital de lo inconfesable donde se reúnen textos poéticos desde los márgenes del mundo oficial masculinizado, viajando de Safo a Sor Juana Inés, pasando por Li Ye, Wallada, Hildegarda de Bingen, Hadewijch de Amberes, Hafsa Al-Rakunía, Beatriz de Día, Christine de Pizan, Florencia Pinar, Teresa de Ávila, Louise Labé, Gaspara Stampa o Aphra Behn. Sus voces dialogarán en este recorrido con las de autoras contemporáneas como Ana Frank, Gloria Fuertes, Alejandra Pizarnik, Idea Vilariño, Gioconda Belli, Ana Rossetti, Aurora Luque, Anne Carson o Elena Medel.

Finalizamos este recorrido con una singular propuesta donde lo sonoro adquiere una importancia vital a través de un sonido tan bello como frágil, el silbido. Esquizofonía. La pieza que veremos y sobre todo escucharemos en el Teatro Pradillo los días 18 y 19 de noviembre viene además de la colaboración que el Festival de Otoño mantiene con Surge Madrid y presenta el trabajo de Silbatriz Pons (alter ego de la actriz Marisa Pons, que escribe y dirige la pieza junto a Luis Moreno). El cuerpo -humano- que silba renuncia a la palabra, convertido en un ser que es mujer y máquina a un tiempo. “Este silbido vive en la abstracción -dice Pons. Intento entender su comportamiento y sus dinámicas. Pienso en animales pero no olvido que el silbido no tiene cuerpo: el cuerpo es el mío y ya no me disfrazo más”.

La Biblia y los mitos griegos inspiran Salomé y Dioscures, dos de los doce estrenos de la penúltima semana de la décima muestra de creación escénica Surge Madrid en Otoño, que organiza la Comunidad de Madrid. Surge recoge hasta el 29 de octubre lo mejor de la actividad de la red de salas alternativas y de pequeño formato de Madrid, un auténtico laboratorio para ensayar formatos, indagar en asuntos actuales o suscitar controversias.

Salomé, primero de los estrenos de la cuarta semana de Surge, se apoya en el relato bíblico de la princesa que ordenó cortar la cabeza del profeta Juan Bautista para discurrir sobre cómo el cuerpo de ese personaje ha sido históricamente utilizado para representar la seducción y la traición femenina. Esta pieza concebida por Paula Quintana y Carla Nyman, e interpretada y coreografiada por Quintana, se representa este 18 y el jueves 19 de octubre en la Nave 73.

La compañía La Tarara ha creado un personaje, Tiny Tim, que irradia ternura y terror. Contiene en sí mismo el caos y la sutileza, la fealdad y la hermosura, lo trágico y la carcajada. Para La Tarara este personaje protagonista de Dios bendiga a Tiny, engloba toda la humanidad y la imperfección humana. El 19 y 20 en la Sala Tarambana. Esos mismos días se exhibe en la Sala Bulubú 2120 La inauguración, una sátira contra el consumismo como fundamento de la felicidad, escrita en 1975 por el dramaturgo y expresidente de la República Checa Václav Havel y dirigida por la actriz y creadora Coral Ros.

LATAM aborda, sin clichés, la situación de la comunidad de inmigrantes latinoamericanos que viven en España, en concreto de una nueva comunidad que ha surgido a través de internet. Esta propuesta de Teatro Xtremo en el Teatro del Barrio (19 y 29) se aleja de los mitos de la inmigración vinculados a la explotación, la vagancia y la maldición.

A la androginia remite Dioscures (Teatro Pradillo, 20 y 21 de octubre), una creación coreográfica de [lodudo] producción y Marta Izquierdo Muñoz. Esta autora se inspira en los titanes de la mitología y en los gemelos Cástor y Pólux.

Amistad y creación son los motores de Sollertinsky, que Becuadro Teatro representa el 20 y 21 en la Sala Cuarta Pared. El nombre de la pieza de Julio Provencio es el de un erudito ruso que en los años 30 y 40 del siglo XX apoyó y estudió la música y la creación escénica que se hacía dentro y fuera de su país. Amigo de Dimitri Shostakovich, cuando Sollertinsky murió en 1944 lejos de Rusia, el compositor le dedicó un trío para violonchelo, violín y piano, y que es otro de los motivos de esta pieza.

Testimonios del escritor Antonio Gala sobre el amor y cómo estos evolucionan a lo largo de su vida constituyen el cañamazo de Gala literal, escrita, dirigida y cointerpretada por Ernesto Artillo, que representa el 21 y 22 de octubre en Réplika Teatro | Centro Internacional de Creación. Estos dos mismos días, en el Teatro del Barrio Los Torreznos presenta La gente, una creación con tintes performativos salpicado de humor que investiga en las relaciones entre la política y la gente.

Por último, Muladar de la Compañía Tribueñe y el dramaturgo Hugo Pérez de la Pica, reúne en el Teatro Tribueñe (21y 22) danza, música y poesía, con un repertorio de composiciones inspiradas en la música de los grandes maestros de los siglos XVIII, XIX y principios del XX.

En la sección de Actividades Transversas, para piezas de sala o de lugares no destinados a la representación, se estrenan tres obras. La primera es Sinapsis (del 19 al 22 de octubre, en los vestíbulos de la Sala Bululú, AZarte y el Teatro La Usina), en torno a una performance que nunca sucede. Se recibirá al público informándoles de que va a suceder una performance mientras esperan entrar a la sala y ver el espectáculo que vinieron a ver y, para ello, dos trabajadores (los intérpretes Diego Carrasco e Irene Ducajú) les entregarán un díptico con la sinopsis de esta performance.

El 21 de octubre se exhibe en El Curro DT Que vienen los grises. Un paseo de violetas, que evoca el tiempo del franquismo en que la homosexualidad y la bisexualidad, así como cualquier ruptura con el binarismo de género, se consideraban no sólo pecaminosas sino además delito y enfermedad. Y el 22, en la anexa de DT Espacio Escénico, se estrena Doña Algodón, el retrato de una mujer de efímera vida escrito por Manuel De (Es su nombre artístico) e interpretado por Carmen Mayordomo.

Ya representadas en esta edición de Surge, repiten en Actividades Transversas Pequeño payasiyo (en el ambigú de la Sala Tarambana el 20 de octubre) y La poesía y el discurso (en el ambigú de exlímite el 22). En la primera, Víctor Colmenero protagoniza una pieza sonora que sucede a partir de los encuentros entre el intérprete y el choque o percusión con los límites del espacio. En la segunda, una performance creada por Miguel Deblas y George Marinov, dos esculturas vivas dialogan en torno al uso del discurso político en la creación artística, en competición con la realidad política.

Rocío Márquez, la voz de la nueva generación del cante jondo, como ha sido denominada, y el músico de raigambre punk Bronquio, inauguran hoy a las 20.00 en la Sala Verde de Teatros del Canal con las entradas agotadas la 18ª edición del festival Suma Flamenca de la Comunidad de Madrid, la cita con este arte más importante de España que, con el lema Crisol Flamenco, propone 18 días de intenso disfrute del arte jondo con 38 espectáculos hasta el 5 de noviembre en diferentes espacios de la capital y tres municipios de la región.

La pareja Márquez-Bronquio ensanchan el flamenco del siglo XXI en este recital Teatros del Canal que recoge su proyecto Tercer cielo, título de un disco que según la crítica está “destinado a hacer historia”. En él ambos artistas logran un lenguaje propio que trasciende compartimentos estancos de los géneros musicales.

Tras el concierto de apertura, llegará mañana el Flamenco íntimo de otra cantaora esencial, Mayte Martín (Teatros del Canal, miércoles 18), además del estreno en la Comunidad de Madrid de Con jerarquía de José Valencia en el Teatro de la Abadía.

El primero de los estrenos absolutos de Suma Flamenca lo protagonizará el jueves en Teatros del Canal el cantaor Arcángel con su Veneros del cante. Y cerrará ese día una sesión de guitarra a cargo de Alejandro Hurtado con Maestros del arte clásico flamenco en el Teatro La Abadía.

El Teatro de La Abadía acoge el viernes 20 uno de los recitales más esperados de esta edición, el del cantaor sevillano José de la Tomasa. El estreno absoluto de 50 años con mi cante subraya el valor de una vida dedicada al flamenco. Su primer contrato lo firmó en el pueblo pacense de Fuente de Cantos, y desde entonces, según confiesa, ha tratado de ser “un cantaor valiente”, bebiendo del venero de los cantes de su familia y de grandes cantaores de la fuente vieja.

El segundo estreno absoluto de Suma Flamenca lo presenta David Pino en el Centro Cultural Pilar Miró el viernes 20, arropado por las prodigiosas guitarras de Alejandro Hurtado y José Tomás. El mismo día en Teatros del Canal, Ana Morales desarrolla en Más que baile una colección de piezas inéditas que viajan desde el minimalismo y la abstracción al corporativismo y a la totalidad.

Ya el sábado Estévez & Paños mostrarán La confluencia en Teatros del Canal y Pedro Barragán Zambra 1954 en el Centro Cultural Pilar Miró en estreno absoluto. En el Teatro La Abadía, Fuensanta La Moneta exhibe Frente al silencio, el espectáculo inspirado en La cabellera de la Shoá de Félix Grande. Otra bailaora, Estela Alonso, hace suya la reivindicación de la escuela bolera en A mi manera 2.0, que podrá verse en el Centro Deportivo Cultural El Corralizo - Colmenarejo del Arroyo, también el sábado.

Esta primera semana la cerrará el domingo Leonor Leal (bailaora), Perrate (cantaor), Alfredo Lagos (guitarrista) & Proyecto Lorca (saxo y percusiones) que presentan el estreno de Carretera Utrera-Jerez en Teatros del Canal y una  Fiesta con Enrique Pantoja en el Centro Cultural Pilar Miró.

De los versos del poema Lo imposible de Miguel Hernández parte La memoria que no cesa, un espectáculo de danza española y flamenco con el que la compañía danZarte reivindica la memoria del poeta en el cierre de Canal Baila de Teatros del Canal.

La Sala Negra acogerá las dos funciones de La memoria que no cesa, acogida al sello Creación Canal, el 21 y 22 de octubre. Es el último de los diez montajes que ha presentado Canal Baila, la muestra de creadores y compañías profesionales consolidadas o emergentes que han realizado una residencia en el Centro Coreográfico Canal de Teatros del Canal Bruno Argenta y Natalia Ferrándiz, fundadores en 2006 de danZarte, reivindican con este espectáculo la poesía del escritor de Orihuela, muerto de tuberculosis durante la posguerra española, en 1942, en la prisión de Alicante. “Miguel Hernández sigue vivo -señalan- su memoria, se aviva como el fuego en días de viento con el paso de los años, su imagen, su memoria y su mensaje profundo se expanden en todas direcciones progresivamente”.

Con dos bailarines en escena acompañados de voces que recitan o cantan los versos de Miguel Hernández, junto al sonido de la guitarra que recuerda la tierra y lo popular, la sencillez que el poeta tanto amaba, y la música grabada de Antonio Robledo y Luigi Boccherini, entre otros compositores, La memoria que no cesa experimenta la suma del baile fusionado a la música y el cante de la poesía de Miguel Hernández.

Con su homenaje, cuyo título alude al poemario de Hernández El rayo que no cesa, danZarte mantiene viva la llama del poeta “dándole movimiento a sus versos, tan bellos, profundos y eternos”.

“En el tiempo en que vivimos, donde todo se mueve tan rápido, con cambios continuos y sin frenos, es más necesario que nunca poder anclarnos en la poesía y encontrar descanso en algo que permanece, sólido y hermoso, como las palabras escritas por Miguel Hernández”.

Como con el resto de los montajes de Canal Baila, los creadores de La memoria que no cesa mantendrán un encuentro con el público el 21 de octubre al terminar la función.

La compañía danZarte la crean en 2006 Bruno Argenta y Natalia Ferrándiz, bailarines y coreógrafos con una larga trayectoria, amplio registro de la danza española y calidad profesional. Su primer espectáculo, Perfiles del tiempo contó con música en directo y poemas de José Manuel Caballero Bonald.

En 2009 estrenan ¡Voy!, coreografiado por Teresa Martin, con música original de Alfredo Lagos y nueve bailarines en escena. Su tercer espectáculo, Otros perfiles, se caracteriza por su diversidad musical y registros de danza. Estrenan en 2016, junto con la Orquesta de Cámara de Ginebra, Trois danses de Frank Martin, bajo la batuta de Ed Spanjaard y con coreografía de Teresa Martin.

Tres años después presentan Los laberintos de Dürrenmatt, basado en textos del autor suizo Friedrich Dürrenmatt, interpretado por un actor, una cantaora y dos bailarines.

Las producciones de danZarte se caracterizan por una profunda comprensión de los diferentes aspectos artísticos de la danza. La unión de la palabra, la música y el movimiento son el punto de partida y la raíz de sus espectáculos, siendo pioneros de esta combinación artística, tan en auge actualmente. En la actualidad realizan colaboraciones con otras compañías y continúan perfeccionando y dedicándose a otros proyectos futuros.

Cinco bailarinas cuentan sus sueños, inquietudes, sus planes de futuro y sus reivindicaciones en el espectáculo de baile Danza esporádica que la coreógrafa Esther Tablas presenta hoy en el Teatro Pavón hasta este domingo 22 de octubre.

Laura Fúnez, Lucía López, Cristel Muñoz, Esther Tablas y Ana del Rey interpretan este montaje escrito por Juan Carlos Mestre y la propia Tablas, basado en experiencias de las propias bailarinas de este elenco.

A partir de estas experiencias, la obra narra entre bambalinas el estreno de una obra protagonizadas cinco bailarinas de diferentes edades y momentos vitales y lo que les sucede día a día alrededor de ese estreno, en los ensayos, en las pausas de esos ensayos.

Danza Esporádica es, por tanto, un espectáculo sobre mujeres que analiza el afán de estas por dejar huella, mostrando la humanidad de una profesión, la danza, idealizada en el imaginario colectivo y llena de clichés negativos que les gustaría desmentir.

Rajatabla Danza, dirigida por la coreógrafa y bailarina Esther Tablas, cuenta historias actuales a través de un lenguaje propio que nace de la danza española tradicional y que crece y se renueva en cada pieza.

Las creaciones conectan de manera inmediata con todo tipo de público a través de tres elementos clave: elegancia, pasión y actualidad. La compañía surge en 2007 y hasta 2013 estuvo dirigida por sus dos fundadores, Esther Tablas y Antonio C. Guijosa. En este periodo produce obras de teatro y danza, como Enfermedades del silencio o Desde la oscuridad.

Desde 2013, Esther Tablas toma el relevo en la dirección. La compañía conserva el carácter dramatúrgico centrado en las inquietudes y problemas de la sociedad actual, pero orientando el lenguaje escénico hacia la danza española contemporánea en combinación con distintas miradas plásticas y musicales.

En este periodo destacan #am@r y Nora. En 2020 retoma con fuerza el proyecto convirtiéndose en Compañía Residente del Distrito de Latina del Ayuntamiento de Madrid, donde funda y dirige el Certamen de Danza Española con Argumento de D. Latina, montando además tres nuevos espectáculos, Anemoi – Street View, Anemoi y Danza esporádica, que junto con Nora permanecen en gira.

Este fin de semana, el teatro y la música serán protagonistas de las actividades ofrecidas por 21distritos, el programa de dinamización cultural del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid que lleva a todos los barrios propuestas artísticas de alta calidad, participativas, totalmente gratuitas y para todas las edades.

La agenda cultural comienza con dos funciones de la obra de teatro Praga 1941. Jóvenes rubios no dejan de gritar frente a mi casa, de la compañía La Joven, que invita a reflexionar sobre el Holocausto, el temor a la enfermedad y la autocompasión. Esta obra, basada en los diarios de Petr Ginz (un chico judío que asistió a los horrores de la ocupación nazi en Praga), muestra cómo Daniel, un niño del presente, descubre con incredulidad cómo era la vida en las calles por las que él pasea. Una experiencia teatral conmovedora y provocativa candidata al Premio Max en la categoría de ‘Mejor espectáculo juvenil o familiar’.  La obra se representará en el Centro Cultural San Chinarro, del distrito de Hortaleza, el viernes 20, a las 12:00 y a las 19:00 horas.

También el viernes 20, a las 19:00 h, el escenario del Centro Cultural Santa Petronila, del distrito de Villaverde, acogerá la obra de teatro Wake up, woman, del autor y director argentino Jorge Acebo, acerca de la violencia machista en la pareja, a la que dan vida Cecilia  Sarli y Chema Coloma, y que se aleja de los tópicos para enfrentar al espectador a un viaje a la naturaleza humana; un texto que ha tenido muy buena acogida en todos los países donde ha sido estrenado hasta la fecha: Argentina, México y Estados Unidos.

El sábado 21, a las 20:00 h, en Nave de Terneras, del distrito de Arganzuela, actuará la cantante Lia Kali, una de las voces más solicitadas del panorama musical actual, que deleitará al público con los temas de su último disco.

Y el martes, día 24, a las 10:00 h, en la Biblioteca del Centro Cultural La Elipa, del distrito de Ciudad Lineal, la conocida ilustradora Elisabeth Justicia, creadora del personaje ‘Dominga habla sola’, impartirá el taller Cosas que nunca dibujo – De la emoción al lápiz, dirigido principalmente a mujeres a partir de 50 años. Durante cuatro horas y media, las asistentes aprenderán nuevas formas de comunicar practicando el dibujo y creando viñetas que expresen opiniones, frustraciones o pensamientos a través de un personaje creado desde cero.

La compañía Titzina Teatro, que forman Diego Lorca y Pako Merino, encara su última semana en el Teatro de La Abadía con su espectáculo Búho, una particular indagación en la pérdida de memoria y la identidad a partir de un personaje que queda amnésico tras sufrir un ictus. La obra se despedirá del público madrileño el próximo 22 de octubre.

En sus dos semanas en La Abadía, la crítica madrileña ya se ha hecho eco de la última creación de la compañía catalana. La revista de artes escénicas Artezblai destacó en este trabajo de Titzina, su capacidad para aunar "trabajo concienzudo", su escritura y un "don especial de ser reconocibles por sus formas y estéticas". El crítico de Nueva Tribuna Carlos Valadés, por su parte, habla de Búho como "una puesta en escena impresionante en lo escenográfico, con recursos visuales de impacto, impecable en lo estético".

La compañía, que ha hecho de la indagación en la realidad la base de su trabajo, ha imaginado la historia de un antropólogo forense especializado en yacimientos paleolíticos al que un ictus le provoca una amnesia severa. Ante ello, aborda, como en sus investigaciones, un proceso de búsqueda interior por su memoria para recuperar sus recuerdos, en definitiva, su identidad. Como en todos sus montajes, el proceso de trabajo fue minucioso hasta que los dos componentes de Titzina dieron con la idea de lo que querían llevar a la escena.

Partieron en el 2020 de la noticia de un director de orquesta que, afectado por la amnesia, no podía recordar nada más allá de siete segundos. Pensaron en el subsuelo como lugar oscuro, como la memoria del director de orquesta, y recurrieron a la experiencia de recorrer el mundo subterráneo de Madrid y Barcelona. De ahí pasaron a las cuevas prehistóricas de Cantabria. Buscaron información sobre subterráneos, túneles, cloacas, cuevas, catacumbas, ciudades subterráneas ancestrales…

En todo este proceso, los acompañaron espeleólogos, antropólogos forenses especializados en arte rupestre, mossos d’esquadra de la unidad del subsuelo, exploradores urbanos ilegales, neuropsicólogos y pacientes del instituto Guttman para rehabilitación de la memoria. De los conocimientos que les transmitieron y de la experiencia que vivieron los dos creadores surgió este proyecto teatral.

Tras el enorme éxito de crítica y público, la compañía aragonesa Nueve de Nueve Teatro vuelve a subir la persiana de su ferretería con 6 únicas funciones en Madrid en el Teatro Pavón. Del 24 al 29 de octubre, el público madrileño podrá volver a disfrutar de este musical con piano en directo y tintes de melodrama, humor, misterio y referencias a Buñuel, Fellini, Kurt Weill, Jaques Brel, Chaplin, Rufus Wainwright y al folclore nacional.

La pareja artística Jorge Usón ('Las noches de Tefía', 'Veneno', 'Voy a pasármelo bien') y Carmen Barrantes ('Plátanos, cacahuetes y lo que se viento se llevó', 'Twist', 'La Extinta poética'…) acompañada al piano por Néstor Ballesteros volverán a encarnar a Esteban y Marigel, los ferreteros aragoneses que deciden ir un día al teatro y a partir de ese momento ya no podrán ser los mismos porque la música posee a Esteban literalmente y convierte su vida en un grotesco musical, en un volcán de emociones.

Ferretería Esteban abrió la temporada del Teatro Español de Madrid en 2020 con gran acogida después del cierre histórico por el confinamiento. Fue distinguida como mejor espectáculo de ese año por varias publicaciones nacionales. Este “esperpento musical”, como lo define la propia compañía, escrito y dirigido con José Troncoso, fue galardonado con el Max a Mejor Composición Musical para Mariano Marín y el Max a Mejor Labor de Producción para Nueve de Nueve Teatro, además de nominado a Mejor Espectáculo Musical.

La compañía ya contaba con un Premio Max a Mejor Espectáculo Musical conseguido por 'Cabaré de Caricia y Puntapié', junto a la compañía El Gato Negro.

Rafael Estévez y Valeriano Paños, Estévez/Paños y Compañía encaran los tres últimos meses del año con varias funciones en distintos puntos de la geografía peninsular; una agenda que les llevará por ciudades como Gijón, Bilbao y Portugal, además de Madrid, donde presentarán la pieza La Confluencia en el marco del festival Suma Flamenca el 21 de octubre. Con este nutrido calendario la compañía, reconocida con el Premio Nacional de Danza 2019 Modalidad de Creación, pone el broche a la celebración del 20 aniversario de su fundación en este 2023.

El periplo dará comienzo el 10 de octubre en Danza Xixón (Gijón, Asturias), adonde llevarán Tríptico #1, con un programa que, por primera vez en la historia de la compañía, incorpora tres coreografías de corta y media duración que llevan por títulos Silencios, Campanillero y Nondedéu, esta última creada tras la residencia de investigación en el Centro Coreográfico de Canal (Teatros del Canal). Una de las singularidades de esta propuesta es que son los propios bailarines quienes se asisten unos a otros en escena con la voz, la luz, sus cuerpos y sus presencias, o con pequeños instrumentos.

El estreno, en 2016, de Silencios, bajo la dirección de Juan Kruz Díaz de Garaio Esnaola que toma como puntos de partida un texto del libro A year from Monday de John Cage y el poema El Silencio de Federico García Lorca, supuso el primer encuentro a solas sobre el escenario de Estévez y Paños, sin más compañía que la de ambos desde que comenzaron a trabajar juntos en 2003. A esta pieza se sumó Campanillero, la adaptación como solo de danza de una coreografía perteneciente a su espectáculo La Confluencia. Y completa la creación Nondedéu, en la que dialogan el baile y la danza, el cante y la expresión corporal de los cantaores y cantaoras.

Producido por Estévez/Paños y Compañía y GNP Producciones, el espectáculo pasará también antes de que termine 2023 por Bilbao, concretamente el 11 de noviembre a las 18 h. en el Museo Guggenheim, como parte de la programación de la vigésimo cuarta edición de Dantzaldia.

Pero antes, el 21 de octubre, la compañía recalará en el prestigioso festival Suma Flamenca (Madrid). Será en la Sala Verde de Teatros del Canal, a las 20h., cuando pongan sobre el escenario La Confluencia, resultado de una ardua labor de investigación del movimiento, la danza, la música, la escena, así como un estudio de la historia del arte y la música en general y del arte flamenco en particular. Las entradas ya están a la venta en la web del festival.

Coproducida con GNP Producciones y dirigida y coreografiada por Rafael Estévez y Valeriano Paños está representada por ocho hombres, cinco bailarines y tres músicos. Esta pieza también fue puesta en marcha dentro del programa de residencias de creación del Centro Coreográfico de Canal (Teatros del Canal). Definida por su subtítulo como Una nueva lectura de la raíz de los códigos del arte flamenco, La Confluencia tiene como objetivo la creación coreográfica desde un lenguaje de baile flamenco actual que se alimenta de su pasado y de su raíz, y también del arte contemporáneo. De esta manera, sus ocho intérpretes encarnan al flamenco, al campesino, al bolero, al gitano, al bailaor, al cantaor, al pregonero, al majo, al manolo, al esclavo, al converso, al huido, al guitarrista, al barbero, al preflamenco, al montañés, al americano, al andaluz, al hombre.

Ya en noviembre, el día 18 a las 19h., Estévez/Paños y Compañía darán el salto a la capital del país vecino, Lisboa, también con La Confluencia, que pondrán sobre el escenario del Centro Cultural de Belem.

Y todo ello tras cerrar un mes de septiembre en el que la compañía ha tomado parte en la convocatoria del Segundo Semestre de In-Progress 2023, el programa de residencias artísticas y de creación de Flamenco Festival celebrado en Torrox, donde han llevado a cabo la residencia artística y el preestreno de Meter los pies: el estudio artístico en el que trabajan junto a Manuel Montes y Juan Tomás de la Molía. A ello se sumó, el pasado día 24, la representación de El Cuaderno en Ibiza.

De cara al próximo año, Estévez/Paños y Compañía ya cuenta con diversas fechas cerradas en su calendario, como su participación el 7 de marzo en el Festival de Jerez con Flamenca 391 o la función de este mismo espectáculo programada en el Teatro Central (Sevilla), con día aún por determinar.

Rafael Estévez y Valeriano Paños decidieron unirse artísticamente en el año 2001, cuando se dieron cuenta que tenían muchas cosas en común sobre los conceptos artísticos y su visión de la danza, formando el tándem Estévez/Paños. Fue un par de años más tarde, 2003, cuando crean Estévez/Paños y Compañía. Desde entonces, no han parado de bailar y crear y, sobre todo, de investigar: desde el inicio de su carrera la investigación del baile flamenco, la danza española, folklore, la escuela bolera y la danza contemporánea ha sido un pilar fundamental… Esta pluralidad ha sido la base para crear su lenguaje coreográfico, un lenguaje que hoy día cuenta con un sello propio reconocido por el público y la crítica, en el que se aúna la tradición y la vanguardia de forma elegante y natural.

Son muchos y destacados los espectáculos que, a lo largo de su trayectoria como compañía, han creado juntos: Flamenco XXI: ópera, café y puro, Sonata, La Consagración, Silencios, Bailables o El Sombrero. Durante su extensa carrera han dirigido y /o coreografiado a artistas en espectáculos como De puertas adentro - Compañía María Vivó (2004), Entre paredes - Rocío Molina (2005), Kahlo Caló (2007), Gala Inaugural Bienal Sevilla - Historias de Viva Voz de Miguel Poveda (2010), El Salón de Baile - Nosolodanza (2012), Reciclarte - Ana Morales (2013), El Baúl de los Flamencos Concha Jareño (2013), Espiral - David Coria (2014), Aviso: Bayles de Jitanos - Antonio ‘El Choro” (2015), Flamenco: espacio creativo de Alfonso Losa (2021), Insaciable de Lucía Álvarez “La Piñona” (2022), Çiertas Danças - Yjastros: The American Flamenco Repertory Company (2016).

Han formado parte, entre el 2009 y el 2014, del espectáculo Flamenco Hoy de Carlos Saura, como coreógrafos y bailarines principales. Y entre 2016 y 2018, dirigieron el Ballet Flamenco de Andalucía, creando los montajes Flamenco Lorquiano, Aquel Silverio y Flamenco, tradición, vanguardia.

La Comunidad de Madrid prorroga hasta el próximo 12 de noviembre la muestra Buero será su obra, dedicada a la vida y la obra del escritor Antonio Buero Vallejo, dramaturgo fundamental del teatro español del siglo XX, que podrá visitarse con entrada gratuita en la Biblioteca Regional de Madrid del Complejo El Águila.

Se amplía así tres semanas la apertura de una muestra que hasta ahora ha recibido a casi 8.000 personas. Además, 480 espectadores han disfrutado del espectáculo Gracias Buero; Escrito por José Ramón Fernández y con dirección de Ana Carril, ha constituido una aproximación a la vida y la obra del autor de En la ardiente oscuridad.

Igualmente, se han celebrado tres conferencias en las que han participado Virtudes Serrano y Mariano de Paco de Moya, comisarios de la exposición (el 14 de septiembre); Pedro López Osa (el 28 de septiembre) y Javier Huerta Calvo (el 5 de octubre); y se ha llevado a cabo el concierto Rafael Rodríguez, con la soprano Paloma Friedhoff acompaña por la violinista Miren de Felipe Shirokij y el pianista Pablo García López de la Osa.

Asimismo, todavía es posible asistir a la proyección de la película Esquilache, el próximo 19 de octubre en el salón de actos de la Biblioteca Regional de Madrid. Dirigida por Josefina Molina e interpretada por Fernando Fernán Gómez, está basada en la obra de teatro Un defensor para un pueblo, de Buero Vallejo.

Se presenta una interesante colección de documentos relacionados con el dramaturgo como manuscritos, bocetos, croquis de decorados, fotografías de los estrenos, vídeos, libretos de trabajo, recortes de prensa y correspondencia, muchos de los cuales se conservan en la Biblioteca Regional de Madrid como parte del Archivo Personal de Antonio Buero Vallejo, donde se conservan desde 2017, casi la totalidad de los manuscritos de las obras del autor.

Durante la visita, el espectador realizará un recorrido por los acontecimientos más importantes de su vida, como el hecho de que fue condenado a muerte tras la Guerra Civil y permaneció preso desde 1939 hasta 1946. Durante su cautiverio coincidió con el poeta Miguel Hernández entablando con este una fuerte amistad. Precisamente, a él se debe el título de la muestra por unas declaraciones suyas realizadas en 1979 cuando dijo: “Cuando Buero deje de existir ya no quedará más que su obra y Buero será su obra”.

Tanto en sus obras simbolistas, como en su teatro social o en sus dramas históricos, el autor presenta un teatro muy medido y trabajado meticulosamente con el que siempre supo contactar con el público.

En este homenaje, también hace hincapié en la atracción del escritor hacia la pintura, una vocación que cultivó desde la niñez y que abandonó tras su paso por la cárcel. Al finalizar la Guerra Civil, Buero Vallejo fue condenado a muerte por “adhesión a la rebelión” y durante seis años pasó por diversas prisiones hasta que obtuvo la libertad condicional en 1946.

La exhibición, comisariada por Virtudes Serrano y Mariano de Paco de Moya, ha contado con la colaboración de Carlos Buero Rodríguez (hijo de Antonio Buero Vallejo), el Archivo General e Histórico de Defensa, el Archivo Regional de Madrid o el Ayuntamiento de Guadalajara. También, con la Biblioteca Nacional de España, el Centro de Documentación de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM, Ministerio de Cultura y Deportes), la Fundación Juan March, el Museo Nacional de Teatro de Almagro, la Sociedad General de Autores y Televisión Española. Más información en la web del Portal del Lector

La Consejería de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid El Centro Coreográfico Canal de la Comunidad de Madrid abre el periodo de inscripción para 30 proyectos de residencias artísticas en el Centro Coreográfico Canal en las modalidades de creación (10 residencias) e investigación (20). Un mismo proyecto sólo puede aspirar a una única modalidad. El plazo de inscripción es del 18 de octubre hasta el 15 de noviembre y los seleccionados realizarán su residencia entre enero y diciembre de 2024, en períodos según cada modalidad.

El programa de residencias, que llega a su 16ª edición, está dirigido a creadores y compañías profesionales (consolidadas o emergentes) para que desarrollen su trabajo en el campo de la danza y las artes del movimiento creando, investigando o desarrollando nuevos lenguajes coreográficos. Pueden optar a las mismas creadores y compañías madrileñas, nacionales e internacionales, teniendo prioridad en la selección los creadores y compañías con sede en el ámbito geográfico de la Comunidad de Madrid.

En la modalidad de creación, el proceso/pieza que se presente no podrá ser estrenado previamente. Las fases de trabajo se pueden dividir en un periodo mínimo de un mes hasta un máximo de dos meses. La residencia finalizará con la muestra del proceso entre septiembre y octubre de 2024, dentro del ciclo Canal Baila que tendrá lugar en los Teatros del Canal, de la Comunidad de Madrid. La pieza presentada en el ciclo Canal Baila deberá tener una duración mínima de 60 minutos y máxima de 75 minutos.

La Consejería aportará para cada uno de los 10 proyectos seleccionados en esta modalidad hasta la cantidad de 10.000 euros, con la finalidad de facilitar el proceso de creación del proyecto.

En el caso de las residencias de investigación, la misma finalizará con un ensayo abierto al público en el Centro Coreográfico Canal. Para estos 20 proyectos, la Consejería aportará para cada uno de los seleccionados la cantidad de 2.500 euros, con la finalidad de facilitar el proceso de exploración, investigación y desarrollo del proyecto, que culminará con una muestra del proceso.

Los proyectos serán evaluados y seleccionados por una comisión de profesionales del ámbito de la danza, así como por la dirección de los Teatros del Canal y del Centro Coreográfico Canal, atendiendo a la calidad y coherencia, la innovación, la trayectoria del solicitante o la compañía, los apoyos con los que cuenta y su proyección.

Con este programa el Centro Coreográfico Canal, cuya sede se encuentra en Teatros del Canal, pretende apoyar la creación coreográfica y consolidar el tejido profesional y empresarial de las compañías, facilitándoles recursos y espacios.

En un máximo de dos meses, a partir de la finalización del  plazo de inscripción, se publicará en la web de los Teatros del Canal la relación de los creadores y compañías que participarán en el año 2024 en las dos modalidades de residencias del Centro Coreográfico Canal.

La compañía Yeses, fundada en la prisión de mujeres de Yeserías en 1985, da voz en las tablas del Teatro Pavón a mujeres que denuncian en voz alta el desprecio y abandono al que los hombres y la sociedad las tienen abocadas. Lo hacen este fin de semana con humor en Hijas de la comedia.

Un grupo de mujeres presas se suben al escenario del Pavón para interpretar una comedia fantástica, en la que el gran poeta latino Ovidio viaja en el tiempo junto a la diosa Venus para crear una compañía de teatro femenina en la corte española del siglo XVII.

De la mano de esta compañía de comediantas, envueltas en divertidas situaciones llenas de humor, poesía y música, el espectador conocerá cómo era la sociedad del siglo XVII, el mundo del teatro y la posición de las mujeres en este. Las vicisitudes de estas intérpretes, con su valentía al enfrentarse a las prohibiciones y moralistas del momento, provocarán la risa y la emoción.

Hijas de la comedia, interpretada actualmente por internas del centro penitenciario de Alcalá de Henares, se estrenó en el Festival de Almagro, dirigida por Elena Cánovas y escrita por Julieta Soria.

Según la directora, la comedia es "un emocionante torbellino de acción, en el cual las actrices se ven envueltas en situaciones arriesgadas y cómicas mientras ensayan clandestinamente una obra fuera del control familiar y social".

El montaje de la compañía YESES muestra la gran labor social y artística de un grupo dirigido por Elena Cánovas, fundado en la prisión de mujeres de Yeserías en 1985. Posteriormente tuvo su sede en la prisión de Carabanchel Mujeres y en la actualidad, en el Centro Penitenciario de Madrid I Mujeres en Alcalá de Henares.

Desde el primer momento quisieron hacer algo más que un mero taller carcelario. Se trataba de inaugurar una experiencia nueva que tuviese continuidad y coherencia en sus planteamientos, que debían de ser lo más parecido posible a los habituales del mundo libre. A partir de entonces ha montado cerca de 50 obras, cuya complejidad técnica y artística ha ido en aumento paulatinamente.

Sus producciones buscan concienciar -con una combinación de amor y humor- sobre temas como la injusticia, la desigualdad de oportunidades y actitudes machistas.

Según Cánovas, las reclusas encuentran un camino de "trabajo y disciplina" que las hace mejorar y encontrar un apoyo para el día a día. A cambio, solo les pide la "misma seriedad" que a todos los actores profesionales. El objetivo de la formación es contribuir a construir una sociedad más solidaria y empática.

Entrada la segunda década de este siglo, Yeses estrenó Entre la tierra y las nubes, que hubo de interrumpirse a causa de la pandemia de coronavirus de 2020. Un año después retomaron este espectáculo con una gira por la Comunidad de Madrid. En ese mismo año representaron la pieza corta Viva la Pepa, en la Jornada Mujer, Igualdad y Seguridad del Ministerio del Interior. Tras Descalzas, estrenada en marzo de 2022, Hijas de la comedia es su último espectáculo.

Teatros del Canal suena a jazz en los tres conciertos que ofrecerán el espectacular trompetista francés Ibrahim Maalouf, la reina de la bossa nova electrónica Bebel Gilberto y el legendario saxofonista estadounidense Charles Lloyd dentro del Festival Villanos del Jazz. En Villanos del jazz, del que Teatros del Canal es una de sus sedes, el público podrá disfrutar de conciertos de la riqueza y variedad del jazz: jazz fusión, jazz flamenco o jazz cubano.

Ibrahim Maalouf presentará en su actuación del 24 de octubre una memorable antología de su música, con la que celebra 40 años en los escenarios. Este resumen profesional lo ha plasmado en un álbum de estudio, el número doce de los que ha grabado, llamado 40 melódies.

En él revisita sus melodías más memorables, desde sus álbumes hasta sus bandas sonoras, incluyendo algunas canciones nuevas. El disco, un dúo entre Maaolouf y el guitarrista belga François Delporte, cuenta con invitados de renombre como Sting, Marcus Miller, Matthieu Chedid, Alfredo Rodríguez, Richard Bona y Trilok Gurtu.

El músico franco-libanés lleva años llenando recintos como el Accor Arena de París, el Lincoln Jazz Center de Nueva York y el Kennedy Center de Washington gracias a su jazz cinemático, rítmico, versátil, ilimitado.

Desde que Quincy Jones lo descubriera, Ibrahim Maalouf ha grabado 16 álbumes y ha trabajado con artistas como Sting, Salif Keita, Amadou et Mariam, y Wynton Marsalis. Entre sus premios destaca el César a la mejor música original por la película En los bosques de Siberia (2017) y una nominación al Grammy al mejor disco de música global por Queen of Sheba (2022), su trabajo junto a Angelique Kidjo.

El jazz, la música oriental o el rock (en cualquiera de sus manifestaciones) se dan la mano con total soltura en su música. El 27 de octubre Bebel Gilberto canta una carta de amor a su padre con un concierto que ha titulado sencillamente Joao. El que fue uno de los fundadores de la bossa nova brasileña, João Gilberto, regresa de esta forma con algunas de sus más famosas canciones interpretadas por su hija.

Gilberto murió en 2019, tras una carrera de 70 años en la música. Tres años después, Bebel Gilberto decidió que había llegado la hora de hacer suyos los temas de su progenitor. “Desde mi primer álbum, nunca he cantado nada de la música de mi padre. Ahora es hora de presentar al público las canciones de João Gilberto que me han influenciado desde que nací e incluso antes”.

Bebel comenzó a cantar con Gilberto cuando era pequeña y las canciones que ha recuperado del fondo de su padre, reunidas en un disco la han acompañado toda la vida.

Su trayectoria profesional arrancó en el Brasil de los años 80. Una década después se mudó a Nueva York, estancia que alternó con el Reino Unido. En aquellos años trabajó con David Byrne, Arto Lindsay y DJ Towa Tei, combinando la bossa nova con conceptos musicales frescos.

En 2000 publicó su primer álbum en solitario Tanto tempo, una de las sensaciones de aquella temporada y la catapultó a una exitosa carrera con más de dos millones de discos vendidos, que la llevaron a convertirse en la reina de la bossa nova electrónica.

Charles Lloyd, con su Charles Lloyd Ocean Trío (con Gerald Clayton y Anthony Wilson) actuará el 30 de noviembre en lo que será su despedida de la gira europea y el último concierto del año, por lo que la cita en Teatros del Canal tendrá un espíritu especial. Este músico de Memphis encarna la historia del jazz del último siglo. Indomable, visionario e intuitivo, este saxofonista nacido en Memphis hace 85 años, absorbió sus raíces africanas, cherokees e irlandesas, hasta convertirse en uno de los grandes puntales del cruce entre bebop y blues.

Creció empapándose del blues, el gospel y el jazz, que tan presentes estaban en las calles de su ciudad: más de una vez ha dicho que podía sentir en ella las vibraciones de la música de Charlie Parker, Coleman Hawkins, Billie Holiday, Duke Ellington, Howlin ‘Wolf o B. B. King. Su saxo también está presente en algunos de los discos de la etapa imperial de los Beach Boys, The Doors o Canned Heat.

Llega a Villanos del Jazz, en el que posiblemente sea uno de sus últimos conciertos en Europa, para presentar por primera vez en España el disco que grabó junto al pianista Gerald Clayton y el guitarrista Anthony Wilson, Ocean (2022), el segundo de sus tres trabajos consecutivos con ese formato, toda una nueva muestra de su libérrima e inalienable forma de entender la música. Como dijo de él Carlos Santana, Charles Lloyd es un tesoro internacional.

Surge Madrid en Otoño, que organiza la Comunidad de Madrid, recoge hasta el 29 de octubre lo mejor de la actividad de la red de salas alternativas y de pequeño formato de Madrid, un auténtico laboratorio para ensayar formatos, indagar en asuntos actuales o suscitar controversias.

LATAM aborda, sin clichés, la situación de la comunidad de inmigrantes latinoamericanos que viven en España, en concreto de una nueva comunidad que ha surgido a través de internet. Esta propuesta de Teatro Xtremo en el Teatro del Barrio (19 y 20) se aleja de los mitos de la inmigración vinculados a la explotación, la vagancia y la maldición.

El Teatro Pavón presenta del 11 al 13 de noviembre la producción Cosas de niños, protagonizada por los actores Alfonso Sánchez y Alberto López, conocidos por los populares personajes de Los compadres, en la que ofrecen un nuevo ejemplo de su humor costumbrista y cercano, ácido y crítico, con el que se identifica su legión de seguidores.

Cosas de niños es una comedia para adultos en la que subyace esa mala leche patria de la que el dúo no se ha querido despegar en ningún momento. Esa mala leche incómoda, pero también provoca, ironiza, duele, avergüenza, empatiza y te puede hacer reír desde lo más hondo de las entrañas. Colocando al público frente a un espejo, un reality, un grupo de WhatsApp, los protagonistas, Toño y Gonzalo, se van a convertir en esas dos Españas irreconciliables en la teoría, y de abrazo y convidá en la barra de taberna.

Alfonso Sánchez y Alberto López se han convertido en los mejores narradores de la etapa más reciente de nuestro país. Lo han hecho desde la comedia y sobre todo desde la creación de unos personajes arquetípicos a los que el público rápidamente ha identificado: Los compadres. Con ellos han conseguido una enorme aceptación popular plasmada en millones de seguidores.

Además, representan también la nueva generación que se ha implantado en el audiovisual andaluz y que triunfa a nivel nacional. A día de hoy representan una de las parejas más exitosas de nuestro cine.

Las producciones desarrolladas por el dúo cómico, a través de la productora Mundoficción, han obtenido el respaldo de instituciones, crítica y público, siendo seleccionadas y premiadas en numerosos festivales nacionales e internacionales. En el ámbito cinematográfico, Sánchez destaca por sus largometrajes El mundo es nuestro, El mundo es suyo, Para toda la muerte y El mundo es vuestro, todas escritas, dirigidas y protagonizadas por él.

En 2014 amplió sus horizontes a las artes escénicas con la producción de la primera adaptación teatral de la obra de Arturo Pérez-Reverte Patente de Corso, que contó con 28.768 espectadores.

En 2016 continuó su recorrido teatral con el estreno de la exitosa comedia Compadres para siempre con 39.129 espectadores y en 2018 llevaron a escena los sainetes de los Hermanos Álvarez Quintero Ganas de reñir y Sangre gorda bajo la dirección de Arturo Pérez-Reverte y de la mano de Fundación Cajasol. En esta línea continúan hasta hoy con el estreno en 2021 de los espectáculos Cosas de niños y Homenaje a los Hermanos Álvarez Quintero y Somos Carajotes a finales de 2022.

Kang Ik Joong conocido como el artista de las tres pulgadas por la grandiosidad de sus obras y por su deseo de unión, inaugura con motivo del día del Hangeul (9 de octubre) o alfabeto coreano la exposición ¨Kang Ik Joong, lo que sé¨ en la que el público es el protagonista. Está compuesta por más de 6.000 bloques de sílabas las cuales componen reflexiones universales, escritas en idioma coreano por estudiantes de la Universidad Complutense de Madrid, la Universidad de Málaga, la Universidad de Salamanca, el Instituto Rey Sejong establecido por el gobierno coreano en Madrid, Barcelona y Las Palmas de Gran Canaria y por visitantes del Centro.

La exposición se celebrará del 19 de octubre al 5 de enero de 2024 de la mano de Kang, el famoso artista que hace brillar Corea en el escenario internacional creando grandes murales e instalaciones. Entre las que destacan el túnel de vinilo de 1 kilómetro de largo en el Parque de Unificación de Paju, en el que como símbolo de paz 50.000 niños de Corea del Sur participaron creando los 100.000 Sueños. El proyecto "Amazed World " una gigantesca instalación de laberinto establecida en el vestíbulo de la sede de las Naciones Unidas en Nueva York, que completó en 2001, con las obras de niños de 150 países. "Moon of Dream " de 2004, un globo de vinilo compuesto por más de 126.000 dibujos de niños de 141 países que flotan sobre el agua en el Parque del Lago en Ilsan, o entre otros el "Bridge of Dreams (Puente de Sueños)" de 175 metros en Suncheon, Corea, que contiene 120.000 dibujos de niños de todo el mundo y que hizo en 2013. Kang ha instalado dibujos de niños en muchos hospitales y lugares públicos de todo el mundo, incluido el Hospital Infantil de Cincinnati (Ohio, EE. UU., 2006), la Biblioteca Zaitun (Erbil, Irak, 2008) y el Centro Médico Asan (Seúl, Corea, en 2010).

El espacio expositivo "Kang Ik Joong,lo que sé “consta de 3 paneles artísticos (25.000 bloques de madera) de color con más de 6.000 bloques silábicos en idioma coreano rebosantes de emociones para crear así esta obra de arte que mostrará la conexión de las personas como tema principal. Kang recogió estos pensamientos personales para crear una instalación artística La obra de arte, que se exhibe en los murales, representa la inteligencia y sabiduría colectiva. Su obra más representativa llamada “Moon Jar (Jarra de Luna)” se ha usado como el punto final para terminar las frases. Al entrar en la sala de exposiciones, que se parece un poco al interior de la gruta de Seokguram en Gyeongju, los visitantes podrán encontrarse con un colorido mosaico de letras del alfabeto coreano –Hangeul-.

Los murales presentan algunos profundos mensajes, como: "La vida es un nuevo viaje a cada paso y cualquiera puede perderse", "Todos los hombres son creados iguales", "La crueldad hacia los animales puede convertirse en violencia hacia los humanos", "El fin es lo que importa en todas las cosas de la vida" y "A veces, es necesario hacer una pausa". La estructura cuadricula de sus obras aleja el mundo del arte de la vida cotidiana. Posee su propio estilo de multiplicación con una enorme gama de variaciones que se ven como una sola pieza. Yuxtapone y ensamba varios materiales de la vida para representar las distintas capas. De esta manera Kang Ik Joong reúne conocimiento el cual adquiere un mayor valor; la búsqueda constante de conocimiento, por tanto, nos permitirá alcanzar una vida llena de sabiduría. Convirtamos vuestra sabiduría en el medio para alcanzar un mundo más bonito.

Como explicaba Eugenie Tsai curadora en jefe del Museo de Brooklyn de Art ¨Su arte es como la estética de 'Bibimbap, comida coreana mezclada con arroz y verduras con ternera deshebrada condimentada¨, así sus lienzos, por lo tanto, transfieren vívidamente capas de nuestras emociones, el humor, el deseo y la alegría algo que resulta divertido, honesto y dinámico. ¨El papel del artista como conector, ya sea conectando Corea del Sur y Corea del Norte, Oriente y Occidente o el pasado con el presente y el futuro, es muy importante. No puedes hacer el papel de conector si estás lleno de codicia. No es fácil, pero necesito soltarme, vaciarme, tener un corazón como un tarro de luna", explica Kang

El director del Centro Cultural Coreano SHIN Jaekwang ha afirmado: Es todo un honor exhibir las obras de Kang Ik Joong, un artista activo que hace brillar a Corea en el escenario internacional cuando se cumplen 12 años después de la apertura del Centro Cultural. Esta exposición representa la unión de público español y coreano¨

Nacido en 1960 en Cheong ju y criado en Seúl, Corea, Ik-Joong Kang ha vivido y trabajado en la ciudad de Nueva York desde 1984. Recibió su maestría en Bellas Artes del Instituto Pratt en Brooklyn, Nueva York y una licenciatura en Bellas Artes de la Universidad Hong-Ik en Seúl, Corea.

Kang ha realizado numerosas exposiciones, entre ellas: una exposición individual en el Museo Whitney de Arte Americano en Philip Morris, Nueva York en 1996; una exposición de dos personas con Nam June Paik en el Museo Whitney de Arte Americano en Champion, Connecticut; exposiciones colectivas en el Museo Metropolitano de Artes, el Museo Británico, el Museo Guggenheim, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles; el Museo Ludwig de Alemania y el Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Corea. En 1997, recibió el premio al Mérito Especial en la 47ª Bienal de Venecia, y en 2014 Kang estuvo entre los artistas presentados en el pabellón de Corea que recibieron el Premio León de Oro en la Bienal de Arquitectura de Venecia.

El artista es reconocido internacionalmente por crear importantes obras de arte público utilizando múltiples lienzos de 3 x 3 pulgadas para resaltar las dificultades de las personas y las sociedades de todo el mundo. En diciembre de 1999, Kang Ik Joong trabajó con 50.000 niños de Corea del Sur en la creación de 100.000 sueños. Este proyecto incluía un túnel de vinilo de un kilómetro de largo, dentro del cual se exhibían todas las obras de los niños.

En 2001, Kang completó el proyecto "Un mundo asombrado" encargado por la República de Corea en asociación con UNICEF. Aproximadamente 40.000 obras de niños de 150 países y de una amplia gama de culturas, religiones y creencias políticas se exhibieron en una gigantesca instalación en forma de laberinto en el vestíbulo del edificio de las Naciones Unidas en Nueva York. En 2013, el artista construyó un puente cubierto de 175 metros de largo, "El Puente de los Sueños", en Suncheon, Corea, que contiene 120.000 dibujos de niños de todo el mundo. Sólo el año pasado, el "Puente de los Sueños" atrajo a más de 5 millones de visitantes.

Situada en el centro del río Támesis junto al Puente del Milenio, Flotante Dreams en Londres 2016 es la última pieza de su conjunto de obras que arroja luz sobre el sufrimiento de las personas y comunidades desplazadas en lugares devastados por la guerra en todo el mundo. Construida a partir de 500 dibujos en miniatura e iluminada desde dentro, la estructura de linterna de tres pisos de altura actúa como un monumento a los millones de desplazados y divididos durante la Guerra de Corea (1950-53) y un símbolo conmovedor de esperanza para la reunificación del Norte y el Sur. Corea. La instalación es encargada y presentada por Totally Thames. Ik-Joong Kang comentó: “River está vivo. Habla, respira y piensa. Sé que Thames hace lo mismo. Y también puede conectarnos y abrazarnos”.

Su próximo proyecto es hacer un puente de forma circular sobre el río Imjin que separa Corea del Norte y del Sur. Kang dice: "Los sueños de los niños llenan el interior del puente, y cualquiera que camine sobre este puente será enviado al futuro sin siquiera tener que comprar un billete".

Kang ha recibido numerosos premios y becas, incluida una beca de la Fundación Louis Comfort Tiffany y una beca de la Fundación Joan Mitchell. Sus obras se encuentran en la colección del Museo Solomon R. Guggenheim, el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York, el Instituto de Artes de Detroit en Detroit, el Museo Británico en el Reino Unido, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, el Museo de Bellas Artes Arts en Boston, el Museo Ludwig en Alemania, el Museo de Arte Samsung y el Museo Nacional de Arte Contemporáneo en Corea

El compositor electrónico ucraniano Andriy Kyrychenko y el artista multidisciplinar ucraniano Kotra (Dmytro Fedorenko) protagonizan en Teatros del Canal el 28 de octubre una noche de música electrónica dedicada al país centroeuropeo actualmente en guerra con Rusia.

La actuación forma parte de la Bienal Madatac (Muestra de Arte Digital Audiovisual & Tecnologías Acontemporáneas), que se celebra en Madrid del 24 al 29 de noviembre y que en su duodécima edición cuenta con Ucrania como país invitado oficial. Para ello exhibirá obras e instalaciones audiovisuales como forma de apoyo y cooperación para potenciar la competitividad de sus artistas dedicados a los nuevos medios digitales.

Madatac, al que Teatros del Canal se suma con este doble concierto, es un festival de renombre internacional, un evento icónico y universalista, especializado en propuestas dirigidas a expandir la innovación del arte experimental de los nuevos medios digitales y audiovisuales, con una larga trayectoria en la ciudad de Madrid.

Para su 12ª edición, reconvertido en bienal, albergará exhibiciones de New Media Art, proyecciones en Domo y cine de nuevo videoarte experimental y performances AV. Todo el microcosmos del arte, la técnica y la belleza en un solo evento multidisciplinar de vanguardia.

En la Sala Verde de Teatros del Canal Andriy Kyrychenko presentará su concierto Live AV: X0R, una performance audiovisual que refleja un estado del mundo por encima del ruido de la información, donde la música permanece accesiblemente compleja.

Kyrychenko, nacido en 1976 en Jarkov, es un artista de la escena independiente ucraniana. Comenzó su carrera musical en 1991 como cantante y compositor en una banda de rock local. A lo largo de los años ha logrado el reconocimiento de músicos y seguidores de música electrónica y electroacústica experimental. Sus actividades recientes abarcan desde el indie-pop hasta la improvisación libre, desde la música electroacústica melódica hasta el techno experimental.

Fue fundador de Nexsound Records y es director del festival Next Sound, y un productor que ha contribuido de manera significativa al desarrollo de la escena de la música electrónica en Ucrania.

En la segunda parte, Kotra lleva a cabo la performance Live AV: Radness methods, una especie de ritual chamánico que responde a la exploración que el propio artista hace de sus propios límites de percepción, y de los del público, sobre cómo la música puede afectar el cuerpo y la mente en las condiciones de escucha más extremas.

Kotra es el apodo y el proyecto artístico principal de Dmytro Fedorenko, uno de los primeros y más activos pioneros de la escena de la música electrónica experimental ucraniana, responsable de una gran cantidad de proyectos de música experimental, festivales y eventos artísticos muy reconocidos en Ucrania.

Paralelamente a la música, Dmytro ha ampliado sus experimentos en los campos del vídeo, la fotografía y la pintura abstracta. También ha sido ha producido conciertos y festivales, ha dictado conferencias e impartido clases magistrales. En 2021, creó su nueva entidad musical: Variát.