El Retiro dedica una exposición a Stefan Zweig

La Comunidad de Madrid cuenta en su agenda cultural de este fin de semana con dos de sus citas más destacadas de la temporada. Por un lado, llegan las últimas representaciones de la décima muestra de creación escénica Surge Madrid en Otoño, con lo mejor de la actividad de la red de salas alternativas y de pequeño formato de Madrid. Por otro, Suma Flamenca 2023 se encuentra en su segunda semana, con espectáculos en la capital y tres municipios de la región.

El primero de los dos estrenos de Surge para estos últimos días se puede ver en la sala AZarte (los días 27 y 29), de la mano de la compañía del mismo nombre y con Víctor García León liderando este trabajo, titulado Dentro y Fuera, que son dos obras en una, donde los actores entran y salen de cada una de ellas como lo hacen de la ficción a la realidad y viceversa. El segundo es (des)aparecer, que llega de la mano de Lucía Marote, 28 y 29 de octubre, a Réplika Teatro.

Además, programadas dentro de la sección Actividades Transversas, se puede disfrutar de: Voces al atardecer, de Raúl Marcos, proyecto escénico concebido como una invitación a contemplar una puesta de sol en compañía o en solitario, mientras se escucha un audio (Teatro TylTyl, domingo 29); y vulnerasti cor meum / Madrid, de Carmen Aldana, una performance colectiva con todos los participantes de los paseos guiados diarios que se han realizado por las campanas de la capital (Teatro de las Aguas, día 29).

También se desarrollarán: La poesía y el discurso de Éskaton -Miguel Deblas y George Marinov-, que propone una idea original sobre la presencia de discurso político en la creación artística (El Umbral de Primavera, viernes 27); Rimas y cervezas, de Blas Nusier, una reflexión sobre la destrucción del planeta a causa de la estupidez humana (Réplika Teatro, día 28); y Technoestrellas, de Jonatán Fernández, y Doña Algodón, de Manuel De (Teatro TylTyl, sábado y domingo, respectivamente).

Cerrando el festival, el domingo 29, en el vestíbulo de El Umbral de Primavera se expondrán las creaciones de los espectadores de esta X edición de Surge Madrid en Otoño, como parte de la actividad La venganza de los servilleteros (Escribe tu propia servilleta III) de Manuel Benito. Una especie de fiesta de la servilleta en la que se hará un acto de escritura conjunta con todos los asistentes.

Continuando con su agenda, el Festival Suma Flamenca 2023 lleva a Ramón Jiménez a los Teatros del Canal (viernes 27), donde presentará Rajira con sus nuevas creaciones a la guitarra, inspiradas en recuerdos de su infancia frente al mar Cantábrico, los sonidos que le acompañaron en el barrio madrileño de Cañorroto y los silencios de los caminos castellano-manchegos por los que transita.

La Fabi (Arcos de la Frontera) y El Turry (Granada) protagonizan ese mismo día un Encuentro en Vallecas, en el Centro Cultural Paco Rabal. Dos ecos diferentes y dos formas de abarcar el cante flamenco que provocan un atrayente choque de estilos en una amalgama inspiradora y auténtica.

Recuerdos, conflictos, miedos y esperanzas discurren en las cinco escenas de  Ser, ni conmigo ni sin mí, de la bailaora Mercedes de Córdoba (viernes 27, en el Real Coliseo Carlos III de San Lorenzo de El Escorial). Considerada una de las bailaoras más poderosas y auténticas de su generación, Premio Nacional de Flamenco en 2013, plasma diferentes estados de su mundo interior en un solo, acompañada por el guitarrista Juan Campallo, los cantaores Pepe de Pura y Jesús Corbacho y la percusión de Paco Vega.

La cantaora Sandra Carrasco y el guitarrista David de Arahal homenajean el universo de Pepe Marchena en Recordando a Marchena (sábado, en la Sala Negra de los Teatros del Canal). Sin perder las raíces, reinterpretan el cante del artista, uno de los más queridos y, a la vez, criticados de la historia del cante.

Por su parte, el cantaor Rafael de Utrera, en plena madurez artística y personal, dedica, en Fui piera, un sentido y obligado homenaje a su cuna y a los sones que la mecieron, un tributo de amor y respeto a una tierra cantaora y a los hombres y mujeres que con su arte la han hecho única y diferente en el universo flamenco: Utrera. Será el sábado 28, en el Centro Cultural Paco Rabal.

Uno de los estrenos absolutos de la semana lo protagoniza el bailaor Pepe Torres (día 28, en el Real Coliseo Carlos III de San Lorenzo de El Escorial). En  Esencia alude al arte de una generación que conserva y guarda el sentir de una expresión identificada desde la cuna como lenguaje, forma de vida y transmisión. Y este mismo día, Estela Alonso también se interna en el legado cultural para reivindicar la escuela bolera en A mi manera 2.0 (Teatro Municipal Las Cigüeñas, de Hoyo de Manzanares).

Nino de los Reyes, único bailarín en la historia premiado con un Grammy de la música, también trae al festival un estreno absoluto, Suma con Vuelta al sol (domingo 29, en los Teatros del Canal), en el que este director creativo de la emblemática escuela de danza Las Cabales, en Guadalajara (México), ejecuta un solo, asistido en la dirección por Jesús Carmona.

Cierra los recitales de Suma Flamenca de esta semana la que muchos consideran la mejor guitarrista flamenca del panorama contemporáneo, Mercedes Luján, con Íntimo (día 19, en el Real Monasterio de Santa María de El Paular de Rascafría).

Este fin de semana se podrá disfrutar también de un buen número de conciertos de Radar Joven: Brisa Nunjo, Hickeys, Queiden, Green-T, Marta Knight, Marinita Precaria, Pipiola, Mainline Magic Orchestra, Tumaca, Juan Azul, La Hellen, Peligro!, Sara del Valle y Las Dianas. La segunda edición de este ciclo que apoya la música emergente en la región se celebra hasta el 31 de octubre, en 25 espacios de la asociación Madrid en Vivo.

A muchas de estas iniciativas se accede a través del Carné Joven que actualmente poseen 575.000 madrileños, de entre 14 y 30 años. Entre las ventajas que ofrece figuran precios reducidos en transporte, ocio, formación, viajes, alojamientos o conciertos.

Los Teatros del Canal también se suman a la oferta musical con el concierto Caos & Orden, a cargo del grupo Continuum XXI, bajo la dirección de Alberto Arroyo (domingo 29). Una cita muy especial que se encuentra dentro del XXV Festival Internacional de Música Contemporánea de Madrid, COMA’23, organizado por la Asociación Madrileña de Compositores (AMCC).

Por su parte, la Sala Juan de la Cruz del Teatro de La Abadía estrena la obra Vuelan las palomas, con dramaturgia de José Luis Gómez y Javier Huerta Calvo, que podrá verse hasta el día 12 de noviembre. En el elenco, actores formados en la casa para un montaje en el que la palabra y el actor son protagonistas, entendidos los predicadores como cómicos de la lengua que se atrevían con la sátira social, la denuncia moral y la crítica política.

El Corral de Comedias de Alcalá de Henares celebra los días 27, 28 y 29 de octubre el ciclo Delirios de Shakespeare, que ofrece la oportunidad de reencontrarse con tres míticos personajes y relatos inmortalizados por el bardo inglés, a través de la voz, el cuerpo y el alma de tres excelentes intérpretes: la española Beatriz Argüello, el argentino Hernán Gené y la canadiense Denise Audet-Gravel.

El primero de estos Delirios es La loca cordura de Lady Macbeth (viernes 27), una personal versión del personaje atormentado creado por William Shakespeare, de la mano de la directora Irina Kouberskaya, que ha contado con una de las actrices más emblemáticas del Teatro de La Abadía y de la escena contemporánea, Beatriz Argüello.

El director y actor argentino Hernán Gené encarna a Hamlet en el monólogo, AKA Hamlet (sábado 28). Es una reinterpretación del personaje de Shakespeare, donde un actor confundido y amenazado por las sombras del fantasma de su padre debe buscar la forma de encarnar una obra inacabada.

Por último, Le Colimbo Théâtre au Canada, compañía de teatro canadiense que tiene entre sus objetivos la difusión del teatro en español en su país, llega al ciclo con La violación de Lucrecia (domingo 29). Una versión del poema homónimo de Shakespeare publicado en 1594.

Las diferentes salas y museos regionales ofrecen una variada oferta con propuestas como la de la Sala Alcalá 31, Dime quién eres Yo, que, hasta el 14 de enero de 2024, reúne una extensa selección de obras de Luis Gordillo de los últimos veinte años.

Destaca también la exposición Cartas al director, en la Sala Canal de Isabel II, que ofrece la mirada de la fotógrafa Cristina de Middel a través de proyectos anteriores y más recientes que se muestran por primera vez de manera amplia.

La sala de exposiciones Cristóbal Portillo del Complejo Cultural El Águila, presenta Los 20 del XX. Un garbeo por Madrid, un recorrido por la metrópolis que en aquellos años tenía a la calle de Gran Vía como arteria principal de una ciudad cosmopolita, con sus edificios monumentales, sus lujosos establecimientos y los primeros semáforos, que regulaban un tráfico caótico. Los fondos documentales del Archivo Regional se convierten en el hilo conductor de esta visión fidedigna de aquella década, a través de 100 imágenes, con un nutrido material documental de planos, carteles, revistas y correspondencia.

La Biblioteca Regional de Madrid exhibe hasta el 12 de noviembre la retrospectiva Buero será su obra, dedicada a la vida y la obra de Antonio Buero Vallejo, que incluye documentos que se conservan en la propia Biblioteca como parte del Archivo Personal del autor.

Hasta el 5 de noviembre, la Sala de Arte Joven muestra Easy Apply! Una generación de Slashers y Early Burnout, uno de los proyectos ganadores de la XIV edición de la convocatoria Se busca comisario, que apuesta por nuevos modelos curatoriales, facilitando el acceso al mundo profesional.

El Museo Centro de Arte Dos de Mayo-CA2M, ubicado en Móstoles, continúa con las exposiciones Juan Muñoz. En la hora violeta, dedicada a la producción del artista durante la década de los años 80.

Asimismo, la Administración autonómica colabora con diferentes instituciones en la promoción y difusión de la cultura, como es el caso de la exposición organizada por la Casa Encendida de Fundación Montemadrid, Picasso: Sin Título, o, en colaboración con Patrimonio Nacional, la muestra de fotografía que acogen los jardines del Campo del Moro, con imágenes de los Reales Sitios y la arquitectura y las principales obras de la Galería de las Colecciones Reales.

La música y los niños son inseparables en Alondra Bentley. La cantante, compositora e ilustradora de origen británico afincada en Madrid, atesora más de diez años de experiencia en la enseñanza infantil. Esta vinculación que une arte y música en los primeros años de vida de los niños la traslada al proyecto musical A year around the sun, que presenta este domingo 29 de octubre en el Teatro Pavón.

Este espectáculo innovador, que se exhibe de una manera lúdica y divertida en español e inglés, gira en torno al otoño y a la noche de Halloween, donde la participación de los más pequeños es fundamental. Además, contará con La Chica Charcos, como artista invitada, una actriz y clown que intervendrá en varias de las canciones del show.

A year around the sun cuenta con una escenografía que representa la época otoñal donde los niños disfrutarán no solo de canciones sino de relatos y juegos, a los que se les invitará a colaborar.

Este es el primer concierto de un proyecto anual, que irá modificándose en cada actuación prevista (una mensual), cuya escenografía y temas harán alusión al mes en que se celebre.

Alondra Bentley ha publicado, dentro de A year around the sun, el libro Nombre de pájaro, un cuento, que a la vez es una canción de carácter autobiográfico y que relata el viaje de una niña y sus aprendizajes. En él se resalta la importancia que tienen los sueños para los niños y cómo escuchándolos uno consigue ser uno mismo. Por ello, el libro trata sobre preservar la esencia de las personas.

Alondra Bentley (Lancaster, Reino Unido, 1983) es una talentosa cantautora española conocida por su estilo único y emotivas letras. Con una carrera musical en constante ascenso, Bentley ha atraído a audiencias de todo el mundo con su voz cautivadora y su habilidad para transmitir emociones a través de la música. Sus canciones abarcan una amplia gama de géneros, desde folk hasta pop, y su enfoque auténtico y creativo la ha convertido en una figura destacada en la escena musical contemporánea.

Estudió Bellas Artes y tiene más de diez años de experiencia como profesora enseñando a niños a través del arte y la música con un procedimiento único inspirado en la metodología Montessori y basado en el descubrimiento y comprensión de las emociones.

Editó su primer disco en 2009, Ashfield Avenue, el nombre de la calle donde nació. Tras la publicación del trabajo, ofreció más de un centenar de conciertos en España, Gran Bretaña y México. En verano de 2012 llegó el disco orientado al público infantil Alondra Bentley Sings For Children, It’s Holidays! y en otoño se editó The Garden Room, su tercer trabajo. Su cuarto álbum, Resolutions, vio la luz en 2015. Tres años después grabó su quinto disco Solar system. En la actualidad está trabajando en un libro-disco con ilustraciones y canciones para niños a la vez que escribe nuevas canciones para su próximo álbum.

La consejera de Familia, Juventud y Asuntos Sociales, Ana Dávila, ha participado en la presentación de la comedia teatral Las cosas fáciles, de la Compañía de Teatro de Blanca Marsillach y el sector CECA, Asociación de Bancos Minoristas y Cajas de Ahorros. El objetivo de esta obra es mejorar la educación financiera de las personas mayores a través de la cultura, que proporciona una manera accesible, participativa y entretenida de aprender conceptos económicos.

Además, la función pretende dar difusión a los riesgos que existen en materia de ciberseguridad y ofrecer las herramientas adecuadas para que los más mayores puedan afrontarlos. Las cosas fáciles, que arranca hoy una gira nacional en el Teatro Bellas Artes de Madrid, es una divertida obra escrita y dirigida por Alberto Velasco y protagonizada por las actrices Cristina Izquierda y Sila Sicilia.

MK2 Cine Paz, el cuarto más veterano de la ciudad, está de celebración: este noviembre cumple 80 años, un aniversario del que muy pocos pueden presumir y para el que hemos preparado toda una semana de proyecciones y eventos especiales en nuestras salas.

Fundado en 1943, el Cine Paz no tardó en convertirse en una de las salas más emblemáticas del barrio de Chamberí, convirtiéndose a día de hoy en una de las más visitadas del centro de Madrid. Ocho décadas que han dado para proyectar auténtica historia del cine español e internacional, siempre atentos a los grandes estrenos pero también a esas películas llamadas a hacerse un hueco en el corazón de la cinefilia. Este espíritu, impulsado especialmente por la familia Góngora, propietaria del cine desde 1978, se afianzó aún más con la llegada de la cadena de cines mk2, quienes gestionan el Cine Paz desde septiembre de 2021. Con una programación que combina estrenos, encuentros y ciclos especiales, mk2 Cine Paz propone una cartelera donde los clásicos se dan la mano con las películas del momento, donde se redescubren títulos de culto o se plantean propuestas innovadoras con las que ver un cine diferente y de forma diferente.

Para la celebración de nuestro 80 cumpleaños hemos preparado una muestra especial de todo ello. Una oportunidad única para conocer la intensa actividad cinematográfica que tiene lugar en nuestras salas durante todo el año. Y, por supuesto, no faltarán eventos con los que conmemorar como se merecen estas ocho décadas de cine, como los preestrenos exclusivos de ANATOMÍA DE UNA CAÍDA, ganadora de la Palma de Oro de Cannes 2023 o de LITTLE RICHARD: I AM EVERYTHING, documental sobre el gran genio del rock.

“El amor es el tema central” de VAV, señala el coreógrafo y bailarín Daniel Abreu, que estrena el 3 de noviembre en Teatros del Canal, donde se representará de nuevo los días 4 y 5. Pensada para seis intérpretes, su título es el de la sexta letra del alfabeto hebreo, que rige las relaciones en general, incluyendo las relaciones amorosas. Simboliza, según Abreu, “lo que une, lo que mantiene todo unido, un anzuelo, el enlace, la conjunción de cielo y tierra, de hombre y espíritu”.

El artista canario, Premio Nacional de Danza 2014 en la categoría de creación, ha partido, como siempre en sus proyectos, de abstracciones, de términos amplios y polisémicos. “Este trabajo -explica- surge desde un estado unión, una definición de amor, de los vínculos con lo uno y lo otro. El contacto, el vacío, lo distorsionado y ese mundo fantástico de sensaciones y sentidos que mueven”. VAV, que exhibe el sello de Creación Canal, se presenta en dos capítulos, en una dicotomía formada, desde lo humano y lo espiritual, por el individuo y el grupo, aspectos importantes en las relaciones. Después de la representación del viernes 3, habrá un encuentro con el público.

Fundada en 2004, la Compañía Daniel Abreu es una de las más destacadas dela escena nacional española. El trabajo coreográfico de Abreu se define en el uso de herramientas sencillas del lenguaje interpretativo, la fuerza y personalidad de los bailarines, los paisajes sugerentes que derivan en la construcción de imágenes de gran peso cercano y onírico, y un sensible ambiente sonoro. Las distintas traducciones de la imagen escénica y un relato de gran peso poético, característica destacada en cada trabajo, sustentan cada una de las creaciones estrenadas, con formato de solo o grupal.

El equipo de la compañía lo forman bailarines con gran vocación por el vocabulario físico y la comunicación desde lo corporal. Hasta la fecha, la compañía ha estrenado más de 50 trabajos. La compañía gira regularmente por Europa, América y Asia, y ha visitado más de 20 países, donde ha cosechado notoriedad en el público asistente y la prensa especializada, recibiendo el apoyo de instituciones como el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, el Instituto Cervantes y la Comunidad de Madrid, entre otras. En 2011, la compañía entra a formar parte del programa europeo Modul Dance, liderado por el Mercat de les Flors.

Daniel Abreu nace en la isla de Tenerife. Durante su formación artística se licencia en la psicología, lo cual ha estado muy presente en sus trabajos coreográficos a través de una cuidada simbología poética.

Como intérprete, ha desarrollado su trabajo en distintas compañías y colectivos de danza y teatro del panorama nacional y como creador, atesora una dilatada trayectoria creativa dibujada por más de sesenta producciones, que han podido verse en muchos países, donde han sido reconocidas por crítica, público y diversos galardones.

Paralelamente al trabajo con su compañía ha dirigido proyectos para otras agrupaciones y creadores en Italia, Croacia, Polonia, España. En el año 2018 es nombrado director artístico de Lava Compañía de Danza, la compañía de El Auditorio de Tenerife que dirige durante dos años.

Entre el reconocimiento cosechado a lo largo de su trayectoria destacan el Premio Nacional de Danza 2014 en la categoría de creación. En 2018 es el protagonista de los Premios Max obteniendo todos los premios a los que aspiraba, Premio al Mejor Espectáculo de Danza, Premio a la Mejor Coreografía y Premio al Mejor Intérprete Masculino de Danza por su obra

Otros méritos a su carrera son el Mejor Espectáculo, Mejor Vestuario y Mejor Banda Sonora en los Premios Réplica 2019 por Abisal, el Premio del Jurado a la Coreografía en el XVIII Certamen Coreográfico de Madrid (2005); el Premio Fundación AISGE a un bailarín sobresaliente del XVIII Certamen Coreográfico de Madrid (2005).

La festividad de Halloween llega un año más a Autocine Madrid CesurFP con una completa programación, diseñada para hacer vivir a niños y mayores una semana terrorífica, plagada de divertidas experiencias. Si quieres pasar una tarde terrorífica, en Autocine Madrid proyectarán toda la semana una selección de películas de miedo para que disfruten desde los más pequeños a los más mayores. Además de películas clásicas y estrenos de terror, tendrán pasaje del terror, ambientación terrorífica, ojos de zombis en palomitas con premios asegurados, sustos inesperados y concurso de gritos. Todos los días puedes venir disfrazado, aunque el concurso de disfraces será el día 31 de octubre.

o Viernes 27 de octubre – NOVIA CADÁVER

o Sábado 28 de octubre – FAMILIA ADDAMS

o Domingo 29 de octubre – LA MONJA II

o Martes 31 de octubre – PESADILLA ANTES DE NAVIDAD

o Jueves 2 de noviembre – EL EXORCISTA

RITA’S BRUNCH ESPECIAL HALLOWEEN – 28 de octubre, de 12h a 19h

El Brunch más famoso de Madrid se une a la celebración de Halloween con un concurso de disfraces, Halloween makeup, hombre de fuego, chupitos sangrientos, busca los ojos de los zombis y ambientación terrorífica A, y los amantes del fútbol podrán seguir el clásico Real Madrid – Barça desde la carpa durante la fiesta.

SANTOS Y PECADORES BY RITA’S NIGHT – 28 de octubre, de 00h a 6h de la mañana

Rita’s Night by Bombay Sapphire celebra Halloween con la fiesta Santos y Pecadores, un plan perfecto donde disfrutar del buen terraceo nocturno, con el mejor ambiente y música de DJs en vivo. La versión de noche de Rita’s te invita a disfrutar de una magnífica noche en una carpa adornada con la ambientación perfecta, en la que habrá un terrorífico pasaje del terror, concurso de disfraces, cócteles heaven or hell, semáforo party ¿angel or devil?, y zancudos, entre otros sustos.

RITA’S BRUNCH ESPECIAL HALLOWEEN – 29 de octubre, de 12h a 19h

Además de celebrar Halloween con un concurso de disfraces, Halloween makeup, hombre de fuego, chupitos sangrientos, busca los ojos de los zombis y ambientación terrorífica, las mascotas podrán participar en un concurso de disfraces perruno. Disfruta de una auténtica pesadilla y de escalofriantes sorpresas.

DÍA DE MUERTOS MEXICANOS – 1 de noviembre, de 12h a 19h

Autocine Madrid celebrará el miércoles un Rita’s Brunch especial bajo la temática estrella del día de muertos mexicanos. Además de lo habitual, habrá decoración de lo más colorida y mexicana, mariachis, margaritas, concurso de comer picante, pinta caras, canta juegos, castillo hinchable, talleres infantiles y manualidades mexicanas, así como gastronomía típica mexicana para chuparse los dedos.

El flamenco tradicional de Juan Carrasco Rodríguez “Juañarito” y los sonidos flamencos que se diluyen en el reguetón de Al-Blanco protagonizan dos de los tres conciertos que se celebran del 1 a 3 de noviembre dentro del programa musical de la Sala de Cristal de Teatros del Canal, englobado en tres ciclos: Canal Flamenco, Canal Jazz y Canal Urbano. La cuarta sesión une la voz galesa de Tara Lowe con el Sean Clapis Quartet en un apasionante proyecto de jazz vocal.

En su recital del 1 de noviembre a Juañarito le acompaña a la guitarra Pepe Torres, madrileño del castizo barrio del Rastro. Con 29 años, el cantaor de Jerez de la Frontera forma parte de una familia flamenca de solera. Hijo de Juañares y Chelo Pantoja y sobrino de José Mercé, Manuel Sordera y Terremoto, vivió desde niño el ambiente flamenco dentro y fuera de los escenarios. Aún adolescente, comenzó su carrera profesional en Casa Patas a los 16 años y un año más tarde realizó una gira internacional con la compañía de Antonio Gades.

Exconcursante del programa La Voz con amplia carrera televisiva, ha trabajado con artistas de reconocido prestigio como Estrella Morente, Isabel Pantoja, Antonio Canales, Rafael Amargo, Juan Andrés Maya, María Juncal, María Toledo o Curro de Candela, entre otros. La cantante Tara Lowe y el guitarrista-vocalista americano Sean Clapis estrenan el 2 de noviembre en la Sala de Cristal un apasionante proyecto de jazz vocal. El artista estadounidense une su formación de cuarteto a la voz de la intérprete galesa. Ambos viven en Madrid, donde han desarrollado su música por separado.

En el concierto del Ciclo de Jazz presentan un repertorio variado que abarca desde músicos como Betty Carter o Jackie & Roy, a nuevos arreglos de sus estándares preferidos de compositores como Hoagy Carmicheal o Henry Mancini. Acompañado por una brillante sección rítmica (Alejandra López e Iván Álvarez), Tara Lowe & Sean Clapis Quartet ofrecerán un directo jazzístico fresco, cercano y estimulante.

Nativa de Cardiff, Gales, Tara Lowe reside en Madrid desde 2011. Comenzó su andadura en el jazz en 2018, estudiando canto moderno y jazz vocal con Irene Shams. Fichada por el sello español Youkali Music, ha presentado en festivales de jazz por toda España su primer disco como líder, Hot life, con su septeto Tara & The Jazz Bombs.

Sean Clapis es un guitarrista, compositor y director de banda de Hartford, Connecticut (EE. UU.). Reconocido por su alto nivel como guitarrista dentro de la escena del jazz en Nueva York, ha actuado con artistas como Cyrille Aimée, Steve Davis, Gene Jackson, Warren Wolf o Josh Evans. Ha grabado cuatro discos como líder y varios como acompañante y ha realizado conciertos en festivales y clubes alrededor del mundo. Acaba de publicar Paths Unfold In the Dark, su primer álbum grabado en España.

Aunque el cantaor productor y compositor malagueño Al-Blanco se encuentra inmerso en la grabación de un disco de flamenco tradicional junto al guitarrista El Peli, en la Sala de Cristal mostrará el viernes 3 de noviembre su cara más urbana, aquella en que el flamenco se desliza al reguetón, o el reguetón entra en el flamenco. Como reconocía Al-Blanco en una entrevista en Neo2, en su música tienen cabida los géneros con los que ha crecido, “fusionándose con la libertad y el conocimiento adquiridos a través de los años”.

Defiende que “el eclecticismo es algo positivo siempre que se hace desde el conocimiento de los géneros que se están mezclando. Gracias a ello, hoy en día disfrutamos de estilos que provienen de esas fusiones y se han conseguido arraigar con fuerza”. A ello respondió su primer trabajo discográfico, El precio de la luna, un álbum que marcó un antes y un después en su carrera y le sirvió de puente para dejar atrás la ortodoxia flamenca y abrirse a la experimentación con el género.

Al comenzar este proceso creativo se dio cuenta de que no nacía de él hacer un disco de flamenco al uso, ya que sus inquietudes y su atracción por otros géneros musicales le llevaban a replantearse los códigos del cante constantemente.

Este año, parte del programa flamenco de la Sala de Cristal se realiza en colaboración con la Sociedad de Artistas Intérpretes y Ejecutantes a través del programa AIEnRuta Flamencos. El ciclo de jazz cuenta con la colaboración del Consejo Territorial de Madrid de la Fundación SGAE y el urbano con la colaboración de la Fundación SGAE y Urban AIE Música Viva.

El Festival Márgenes ofrece un adelanto de la programación de su 13.ª edición que se celebrará del 24 de noviembre al 3 de diciembre en distintos espacios de la ciudad de Madrid como la Cineteca de Matadero, la Casa Encendida, el Cine Doré o el Cine Embajadores.

El cineasta austríaco Ulrich Seidl recibirá el Premio Especial Márgenes y protagonizará uno de los focos de esta edición, que se suma a la retrospectiva de Sharon Lockhart. La entrega del premio tendrá lugar el próximo miércoles 29 de noviembre en la Cineteca de Matadero. A estos nombres, se añaden los de Claire Simon, Bas Devos, Radu Jude, Eduardo “Teddy” Williams, Pedro Costa, Jean-Luc Godard, Rachel Walden, Ion de Sosa, o Anthony Lapia en la Sección Oficial, donde estará representado el cine internacional más sugerente de la temporada.

En 2023, el festival rinde homenaje al cineasta austriaco Ulrich Seidl, una de las figuras más relevantes en el cine de autor actual. Una oportunidad para celebrar su trayectoria, poner en valor su singular contribución al séptimo arte y ahondar en su trabajo, acercando sus primeras películas al público madrileño.

El Premio Especial Márgenes se entrega desde 2015 con el objetivo de descubrir y reivindicar la obra de cineastas del panorama nacional e internacional. Se trata de un galardón honorífico para reconocer las aportaciones, la diversidad y la calidad artística en el ámbito del cine contemporáneo. En ediciones anteriores han recibido el galardón personalidades tan queridas como Basilio Martín Patino, Gonzalo Suárez, Emma Suárez, Lluís Escartín, Luis Ospina, Isa Campo, Isaki Lacuesta, Lisandro Alonso, Oliver Laxe, Miguel Gómez o Alain Guiraudie.

Según los directores del festival, Annamaria Scaramella y Pela del Álamo, «Seidl es uno de los maestros del cine contemporáneo, no únicamente por su virtuoso juego en los límites de la realidad y la ficción, sino por su capacidad de generar una empatía que redime a los personajes de lo grotesco, dejando espacio para que los espectadores podamos sentir y conectarnos con ellos según nuestras propias vivencias».

Con motivo de la concesión del premio, el festival acogerá un foco para recuperar la  obra documental del director realizada entre 1980 y 1998. Los títulos en programa son:

• Animal Love I Austria, 1996, 120'

• Fun Without Limits I Austria, 1998, 45'

• The bosom friend I Austria,1997, 60'

• Pictures at an exhibition I Austria, 1996, 45'

• The last men I Austria, 1994, 60'

• The Prom I Austria, 1982, 50'

• One Forty I Austria, 1980, 16'

Ulrich Seidl asistirá al Festival para recoger el premio y acompañar el ciclo. Además, durante su visita impartirá una clase magistral donde ahondará en su método de trabajo, con especial atención a la interrelación entre realidad y ficción en su cine.

Nacido en Viena en 1952, comenzó su carrera realizando documentales como Good News: Von Kolporteuren, toten Hunden und anderen Wienern (Good News, 1990), Tierische Liebe (Animal Love, 1995) o Models (1998). Su primer film de ficción, Hundstage (Dog Days, 2001), ganó el Gran Premio Especial del Jurado en Venecia. Con Import Export (2007) compitió en Cannes y después abordó la trilogía compuesta por Paradise: Liebe (Paraíso: amor, 2012), también a concurso en Cannes; Paradies: Glaube (Paraíso: fe, 2012), Premio Especial del Jurado en Venecia; y Paradise: Hoffnung (Paraíso: esperanza, 2013), estrenado a competición en Berlín. Regresó al documental con Im Keller (En el sótano, 2014) y Safari (2016). En 2022 volvió a la competición de Berlín con Rimini, primera parte del díptico que cierra Sparta (2022).

Su estilo inconfundible se ha definido siempre por una gran precisión formal y una agudeza casi patológica para aproximarse a personajes extremos. La plasticidad y frontalidad de sus encuadres junto con la austeridad en los movimientos de cámara –frutos ambos de una fuerte influencia de la pintura– se suman a su metodología de trabajo, en el filo entre el documental y la ficción, para retratar los márgenes de la sociedad contemporánea sin ejercer juicios morales sobre las personas que filma.

El cineasta austriaco se ha caracterizado por ahondar en la hipocresía y la decadencia de Occidente a través de una mirada mordaz e implacable, pero también secretamente empática, que reniega de toda compasión humanista y que empuja al espectador a cuestionar su propia moral.

Con toda seguridad, Seidl se ha convertido en uno de los directores más influyentes de los últimos 25 años y su figura ha sido elogiada por directores como Werner Herzog o John Waters, quien llegó a considerarle heredero de Fassbinder.

Como avance de la Sección Oficial a concurso de la 13ª edición, el Festival Márgenes anuncia la programación de Here, del belga Bas Devos, estrenada mundialmente en Berlinale; Mamántula de Ion de Sosa, cineasta de la casa, recientemente presentada en el Festival de San Sebastián; No esperes demasiado del fin del mundo del cineasta rumano Radu Jude, Mención Especial del Jurado en el Festival de Locarno; El auge del humano 3, última película del cineasta argentino Teddy Williams premiada en la sección Zabaltegi del Festival de Cine de San Sebastián; As filhas do fuego de Pedro Costa, presentado en la seccional Hors de Cannes; Notre Corps, la última obra de Claire Simon, o After, ópera prima del francés Anthony Lapia, ambas estrenadas también en Berlinale, junto al último cortometraje de Rachel Walden, Lemon Tree. Además, fuera de competición, se podrá ver el cortometraje póstumo de Jean-Luc Godard, Film annonce du film qui n’existera jamais: “Drôles de guerres”.

• After I Anthony Lapia, Francia, 2023

• El auge del humano 3 I Eduardo Williams, Argentina, 2023

• Film annonce du film qui n’existera jamais: “Drôles de guerres” I Jean-Luc Godard, Francia-Suiza, 2023 - fuera de concurso

• Here I Bas Devos, Bélgica, 2023

• Lemon Tree I Rachel Walden, EEUU, 2023

• As filhas do fogo I Pedro Costa, Portugal, 2023

• Mamántula I Ion de Sosa, España, 2023

• No esperes demasiado del fin del mundo I Radu Jude, Rumanía, 2023

• Notre corps I Claire Simon, Francia, 2023

El comité está integrado por Pela del Álamo, Annamaria Scaramella, Elisa Celda, Andrea Franco, Sergio de Benito y Ana David, asesora de la sección Panorama de la Berlinale y que se incorpora este año como consultora de programación internacional del festival de selección. Próximamente se anunciarán los títulos que completan la Sección Oficial.

Por tercer año consecutivo Márgenes opta por la fotografía como vehículo para su campaña visual. La diseñadora vasca afincada entre Nueva York y Madrid Rebeka Arce es la responsable de una propuesta que coloca en el centro de la gráfica una historia documental de la fotógrafa valenciana Laura Silleras.

La campaña parte una vez más de la idea de los márgenes para construir –a través tanto de la propuesta visual como de la propia programación del festival– un discurso sobre la reubicación en los centros de aquellos contextos y realidades minorizadas o desplazadas por la industria y las fórmulas comerciales.

Las fotografías de Silleras pertenecen a su serie El Cabanyal. Este trabajo, realizado a lo largo de cinco años y publicado en 2019, muestra un recorrido por uno de los barrios periféricos más singulares y populares de nuestro país. La mirada de la fotógrafa nos aproxima a la realidad de un barrio que, si bien siempre estuvo en el margen de una ciudad, hace tiempo que está en el centro del debate público siendo fruto de tensiones urbanísticas, políticas y sociales. Un barrio que representa a muchos otros y que es, a la vez, paradigma de la especulación y de la resistencia.

La dirección artística del festival y la diseñadora Rebeka Arce se decidieron por esta serie ya que aúna muchos de los aspectos que componen el ideario y la misión del Festival Márgenes: traer al centro y hacer brillar toda esa vida y ese talento que el capitalismo y la industria tradicionalmente han desestimado o, directamente, fagocitado.

Márgenes es un festival internacional dedicado al cine de marcado carácter autoral que apuesta por la convicción artística y la libertad creativa, con especial atención a las nuevas tendencias en el panorama audiovisual contemporáneo. A través de las diferentes secciones, el festival combina el talento joven con la obra de cineastas consagrados/as, teniendo como eje de la programación la originalidad de las obras y la mirada personal de sus autores y autoras. El festival pone además especial atención en las nuevas generaciones, la contemporaneidad, las nuevas tecnologías y la industria a través de una programación multidisciplinar que incluye espectáculos A/V, encuentros y charlas, programas de alfabetización audiovisual y actividades profesionales.

El Festival Márgenes está organizado por la Asociación Cultural Cine en Ruta y cuenta con el apoyo del ICAA, a través del Plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia, el programa de ayudas a la creación y la movilidad; el Ayuntamiento de Madrid; la Comunidad de Madrid; y Acción Cultural Española, a través de su Programa para la Internacionalización de la Cultura Española (PICE). Cuenta además con la colaboración de La Casa Encendida, Filmoteca Española, Cineteca Madrid y el Foro Cultural de Austria en Madrid.

Tradicionalmente, el Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid ha sido la gran cita con el teatro internacional, pero igualmente el teatro que se hace en el estado español, en toda su diversidad genérica y lingüística, ha tenido un lugar preponderante en la programación. Este año el festival, que se desarrollará entre el 9 y el 26 de noviembre, presenta una cata de teatro hecho dentro de nuestras fronteras muy representativa, con autores y autoras, directores y directoras y actores y actrices que conforman un dibujo preciso de una escena que acomoda distintas generaciones en prácticas artísticas híbridas y intermediales. Algunas de estas propuestas están apoyadas e impulsadas especialmente por el festival, “un camino para seguir en ediciones siguientes, para que este evento siga creciendo”, en palabras de su director Alberto Conejero.

Al frente de este foco especial sobre la creación estatal hay tres nombres que no necesitan presentación: José Sanchís Sinisterra, Angélica Liddell y Juan Mayorga. Es muy posible que los dos últimos hayan bebido del manantial teórico y práctico del primero, verdadero mentor de varias generaciones de dramaturgos y dramaturgas tanto en España, como en Europa y Latinoamérica. Sinisterra es un clásico vivo, un maestro en el más amplio sentido del término, un joven de 83 años que sigue entreteniendo su tiempo en enigmas y luchas en busca de lo fronterizo, del paso más allá de lo conocido, siempre ensanchando el poder de la palabra en el teatro. El lector por horas (Teatro de La Abadía, 24, 25 y 26 de noviembre), una de sus grandes obras, es una invitación para que el espectador se entretenga cosiendo hilos invisibles, llenando huecos vacíos, encajando las piezas de un puzzle apasionante. Dirige Carles Alfaro, con Pep Cruz, Pere Ponce y Mar Ulldemolins como protagonistas.

Por su parte, el casi omnipresente Juan Mayorga, Premio Princesa de Asturias, académico de la lengua y director artístico del Teatro de La Abadía, llega al Festival de Otoño junto a un actor inglés muy vinculado a España, Will Keen, que será protagonista de su último texto, La gran cacería (Sala Cuarta Pared, 17 y 18 de noviembre), que el propio autor lleva a escena. Estreno absoluto con producción del Teatro del Barrio, La gran cacería habla de un hombre insomne que atraviesa de noche el Mediterráneo. Es quizás un viaje en el tiempo más que en el espacio, asomándose a la literatura de todas las orillas del mar que vertebra una idea ambivalente de Europa, capaz de lo mejor y lo peor.

La tríada de insignes la completa este año Angélica Liddell, que será la encargada de abrir el festival con Liebestod. El olor a sangre no se me quita de los ojos, una pieza donde el amor y la muerte entran en escena a partir de la mítica figura del toreo Juan Belmonte (Teatros del Canal, del 9 al 12 de noviembre). Como Angélica, Belmonte no sabía vivir fuera de su escenario y su clarividente existencia sólo tenía sentido en la plaza. La metáfora que alberga la tauromaquia es perfecta para expresar lo que Liddell pretende, porque toma del torero su sentido espiritual. Ella dice: “El teatro, desprovisto de Dios, de inspiración, de rito, no vale nada. El teatro, como el toreo para el matador, se erige en un ejercicio espiritual donde es preciso incluso olvidarse de tener cuerpo”. He ahí la renuncia terrenal que está también en Tristán e Isolda, de Wagner, la música que mejor acompaña este baile eterno entre Eros y Tánatos.

Si con el apoyo del Festival de Otoño fue posible uno de los montajes más celebrados de María Velasco, Talaré a los hombres de sobre la faz de la tierra, ahora la autora y directora burgalesa vivirá otro estreno absoluto con Amadora (Teatros del Canal, 11 y 12 de noviembre, y Real Coliseo de Carlos III - San Lorenzo de El Escorial, 18 de noviembre), una obra que surge al alimón con Miren Iza, alma del grupo musical Tulsa. Voces fronterizas ambas, cada una en lo suyo, han unido talentos y esfuerzos para alumbrar un montaje que ni es teatro ni es concierto y que habla de las madres. Son canciones compuestas por Miren y textos escritos por María, en una propuesta abierta donde conviven músicas con monólogos, espacios sonoros con diálogos, acciones con atmósferas, poniendo “el foco en aquellas mujeres atrapadas en lo invisible, universalmente necesitadas e ignoradas, que reclaman de manera indirecta, con dolores, tensiones y ansiedad, el respeto que se les ha negado”, explican ellas.

Saltamos a Cataluña, desde donde vamos a recibir dos potencias escénicas distintas y complementarias a la vez. De un lado, Albert Boronat (en los últimos años muy unido a Andrés Lima, con quien ha llevado adelante las dramaturgias de Shock o Prostitución), que presenta uno de esos proyectos genuinamente festivaleros: Una casa en la montaña (Círculo de Bellas Artes, 11 y 12 de noviembre). Se trata de un encuentro entre un dramaturgo-director (Boronat), dos actores (Torrecilla y Javier Beltrán) y 20 personas que conforman un público, aunque más bien podría considerarse un grupo de invitados que se reúnen en una mesa para compartir comida, bebida y compañía y para convocar el gesto más esencial y ancestral del teatro: contar historias. En este caso es la historia de dos hombres y una solitaria casa en medio de la montaña.

Por otra parte, tenemos a los eternos jóvenes del teatro catalán. Con ellos vamos a asistir a su presunto último espectáculo como pareja artística. Nao Albet y Marcel Borràs estrenan en Madrid De Nao Albet i Marcel Borràs, un título de lo más egocéntrico (Teatro de La Abadía, 25 y 26 de noviembre). No es una ofensa, es parte de la propuesta, que gira en torno precisamente al ego artístico. Es probablemente el montaje más sencillo y más complicado a la vez que han enfrentado. Ellos solos, sin aparataje escénico, frente al público, para hacer realidad la fantasía que empezaron a tener al poco de empezar a trabajar juntos: su separación. Un ritual que va más allá de la autoficción, de desnudez absoluta, dando espacio a lo agradable y su contrario, a lo virtuoso y a lo tóxico.

La dramaturgia española no es singular, es plural, primero porque el estado tiene otras realidades lingüísticas desde las que también se hace teatro, como es el caso del mallorquín. Este año escucharemos esta variable del catalán gracias a la obra Les maleïdes, de Sergio Baos, con producción del Teatro Principal de Palma y dirección de Marga López (Sala Cuarta Pared, 24 y 25 de noviembre). Se trata de un texto nacido de un impulso inconsciente, de compleja definición. Es un cuento tragicómico. También una fábula de acción. Y una road movie teatral con aromas del más hiperbólico Lars Von Trier y algo de Hitchcock. Un relato sobre el mito cristiano. Una obra de aventuras. Una comedia gamberra. Una coctelera formal sin barreras que reverencia a los clásicos desde la posmodernidad. Todo eso y puede que más.

Y desde el País Vasco llega la compañía La dramática errante, que este año ganaba el Premio Max a la Mejor Adaptación por esta Yerma que veremos en el Teatro Municipal de Coslada (18 de noviembre) y en el Teatro José María Rodero de Torrejón de Ardoz (19 de noviembre). María Goiricelaya es la dramaturga y directora de esta tentativa sobre la obra de Lorca, dialogando desde el presente con ella desde el respeto, la honestidad y la verdad. En su versión, la protagonista es una artista bilbaína y su marido un exitoso hombre de negocios.

También consolidados como compañía especialmente dedicada al llamado teatro de acción social, La Rueda llega a Madrid capital (Centro Cultural Paco Rabal, 26 de noviembre) y provincia (Parla, Arganda del Rey y Fuenlabrada) con Quiero colapsar a tu lado, un montaje dirigido por la siempre interesante Rakel Camacho sobre el cambio climático y la crisis ecosocial, que vive en nuestras casas como un elefante que crece y crece sin control pero que seguimos empeñados en no mirar de frente. Una tragicomedia sobre el frágil momento de nuestro planeta.

Siempre a la escucha también de lo brota y marca el presente y el futuro de nuestra escena, el Festival de Otoño concita este año a varias creadoras sumamente interesantes cuyas poéticas diversas aportan riqueza y variedad a estas dos semanas y media de intensa actividad escénica en Madrid.

Empezando por Lobato&Rojas, que se acercan ya a su consolidación definitiva después de pasar por la muestra Surge Madrid con sus dos propuestas anteriores. En el Festival de Otoño van a vivir este año el estreno absoluto de Sodoma (Sala Mirador, 16 y 17 de noviembre), con dramaturgia de Julio Rojas y dirección de Aarón Lobato, una pareja que apuesta por un teatro que trata cuestiones como la alteridad, la identidad, el género y la transdisciplinariedad. Relato identitario de un niño nacido en el tiempo en el que algunos pensadores certificaron el fin de la Historia, se mira el presente bajo la etiqueta del millennial en un mundo que encabalga crisis tras crisis, económica, política, sanitaria, medioambiental, y que parece abocado a algún tipo de apocalipsis que se transmitirá en streaming.

También camino de la consolidación, si no está ya ahí, el creador malagueño Alberto Cortés estará en esta edición del Festival de Otoño de una manera alternativa, no con el estreno de un espectáculo sino con una invitación a la Apertura de proceso: actos 1 y 2, es decir, una oportunidad para que el público interesado en su trabajo pueda asistir a una sesión de trabajo de lo que será esa nueva pieza a estrenar en un futuro próximo, para luego poder darle feedback y completar con su presencia la prueba de ideas y razones para la existencia de una obra artística. Será en los Teatros del Canal el 15 de noviembre.

Como resultado, nuevamente, de la colaboración con la muestra Surge Madrid, organizada también por la Comunidad de Madrid, llega este año al Festival de Otoño una obra muy interesante para pensar con urgencia y compromiso sobre las sombras de la atención psiquiátrica en España. Se trata de Contención mecánica, de la compañía Teatro de los Invisibles (Teatro del Barrio, 10 y 11 de noviembre), una pieza cuya dramaturgia y dirección firma Zaida Alonso que habla de esa infame práctica a la que se somete a personas diagnosticadas con trastornos psíquicos, que sufren un tipo de vulneración de sus derechos muy poco visible. Eso que eufemísticamente se llama contención mecánica no es otra cosa que atar a una persona a una cama y medicarla hasta desactivarla.

Finalmente, hablamos de dos propuestas que están muy relacionadas con el trabajo con objetos y materiales que adquieren nueva vida poética en escena. En el primer caso, tenemos a El Patio Teatro, una compañía riojana que nos trae la deliciosa Entrañas (Espacio Abierto Quinta de los Molinos, 25 y 26 de noviembre), a la que podremos asistir en familia para aprender sobre la alucinante anatomía humana. Por otro lado, Réplika Teatro acoge, los días 18 y 19 de noviembre, Cosa. Intervenir un cuerpo, de Macarena Recuerda Shepherd (nombre artístico de Lidia Zoilo). La pieza consta de dos partes: la primera es un trabajo de cuerpo y la segunda de escenografía, denominada coreografía de objetos, donde una serie de materiales se despliegan ante los ojos del público como cuerpos desplazados a través del espacio. Movimiento, aparición, tramoya, despliegue… danza, al fin, intervenida también por un trabajo de iluminación (que firma George Marinov) que altera las perspectivas al desplazar las sombras y crear nuevos volúmenes. Una sugerente invitación a mirar con ojos nuevos y sentir no desde la palabra o la emoción, sino desde la materia.

La Biblioteca Pública Municipal Eugenio Trías, ubicada en el parque de El Retiro, acoge desde hoy Stefan Zweig. Autor universal, una exposición dedicada al escritor austríaco en la que se le muestra como autor de superventas no exento de polémica, como viajero incesante y también como ciudadano del mundo con una misión pacifista. Los personajes y escenarios de su literatura narrativa universal también llevan al espectador a un viaje alrededor del globo.

Stefan Zweig. Autor universal se presentó en septiembre de 2022 en la Biblioteca Nacional de Austria, en Viena, y a continuación, en la Biblioteca Municipal de Salzburgo, con motivo del 80° aniversario de la muerte del autor. La sección de cultura en el extranjero del Ministerio Federal de Asuntos Europeos e Internacionales de Austria transformó la muestra en una exposición itinerante, cuya primera parada es la ciudad de Madrid.

La delegada de Cultura, Turismo y Deporte, Marta Rivera de la Cruz, ha inaugurado hoy esta exposición -que estará abierta hasta el próximo 3 de diciembre-, junto al Embajador de Austria en España, Enno Drofenik. “Es magnífico poder disfrutar en la Biblioteca Pública Municipal Eugenio Trías de esta exposición itinerante sobre la vida y la obra de Stefan Zweig, un escritor de altísima calidad literaria y humana. Me congratula que su primera escala en el extranjero sea Madrid”, ha confesado Rivera de la Cruz.

La delegada, que ha recordado ensayos de Zweig, como Momentos estelares de la humanidad, biografías como la de Fouché o novelas como Carta de una desconocida, ha calificado la prosa del escritor austriaco como “exquisita” y ha elogiado su “profundidad de pensamiento y su ritmo ágil”. De la Cruz, asimismo, ha calificado a Zweig como una “figura fascinante, hija de esplendor para las Ciencias y las Artes que floreció bajo el Imperio Austro-Húngaro”, y ha subrayado “la defensa de la tolerancia frente a la intolerancia que de forma tan vibrante desarrolló en ese iluminador libro que es Castellio contra Calvino”.

Stefan Zweig (1881–1942) es actualmente uno de los escritores en lengua alemana más leídos y traducidos del mundo. Las numerosas traducciones y adaptaciones desde Europa hasta China son testimonio del perdurable atractivo de sus obras. España es uno de los países de Europa en el que más se lee a este autor austríaco.

Como precursor de una Europa común, anhelaba una literatura que trascendiera las fronteras de las naciones individuales. En la exposición se descubrirán su extraordinaria trascendencia y su polifacética obra literaria, cuya actualidad perdura hasta nuestros días. El mensaje de Stefan Zweig para la posteridad es la utopía de un mundo pacífico sin fronteras. /

Stefan Zweig. Autor universal

Biblioteca Eugenio Trías. Parque de El Retiro

25 de octubre a 3 de diciembre de 2023

De 8:30 a 21 h, de lunes a viernes

De 8:30 a 15 h, sábados y domingos

Festivos: cerrado

Comisarios: Bernhard Fetz, Arnhilt Inguglia-Höfle y Arturo Larcati

Un fin de semana más el programa de dinamización cultural 21distritos, del Área de Cultura, Turismo y Deporte, acerca a los barrios un amplio abanico de propuestas culturales y de ocio para todos los públicos y totalmente gratuitas.

La programación comienza el viernes 27 con dos representaciones de la obra de teatro Praga, 1941. Jóvenes rubios no paran de gritar frente a mi casa presentada por la compañía La Joven. Esta obra invita a la reflexión sobre el Holocausto, el miedo a la enfermedad y la autocompasión. Basada en los diarios de Petr Ginz, un joven judío que vivió los horrores de la ocupación nazi en Praga, la obra muestra cómo Daniel, un niño de la actualidad, descubre con asombro cómo era la vida en las calles que ahora él recorre. Esta experiencia teatral conmovedora y provocativa ha sido candidata al Premio Max en la categoría de ‘Mejor espectáculo juvenil o familiar’. Las funciones tendrán lugar en el Centro Cultural Orcasur, en el distrito de Usera, a las 12:00 y a las 19:00 horas.

También el viernes, a las 13:00 h, en el marco del Programa de Intermediación entre Artistas y Distritos (PIAD), el escenario del Centro Cultural Dotacional Integrado (CDI) de Arganzuela acogerá la obra de teatro Sodoma, una dramaturgia contemporánea que establece un diálogo entre el teatro confesional y la reinterpretación del mito bíblico sobre la destrucción de Sodoma. Una pieza producida por Lobato & Rojas, creada mediante la fusión de lenguajes propios de la danza, el arte del Shibari o la inclusión de un show Drag dentro del espectáculo.

Y a las 17:30 h, en la Biblioteca Pablo Neruda, en el distrito de Ciudad Lineal, la ilustradora Raquel Riba Rossy, creadora del popular personaje de cómic Lola Vendetta, impartirá un taller de ilustración en el que los asistentes aprenderán herramientas para construir el relato y la identidad de sus propios personajes ficticios. También impartirá sendos talleres, el sábado 28, a las 10:30 h, en La Biblioteca San Fermín, en el distrito de Usera, y el domingo 29, a las 11:30 h, en la Biblioteca Iván de Vargas, en el distrito de Centro.

El Centro Cultural El Madroño, en Vicálvaro, acogerá, también el viernes 27, a las 19:30 h, a DUa2, el dúo formado por la pianista Eva Llorente Díaz y Tomás Martín, uno de los escasos solistas de castañuelas que existen en el mundo. Ambos constituyen una atractiva formación musical que fusiona la sonoridad de las castañuelas y el piano, ofreciendo una interpretación donde el elemento rítmico aportado por las castañuelas se funde magistralmente con la pulsación del teclado. Sus inquietudes van desde el barroco hasta la música contemporánea.

Y a las 19:00 h, el Centro Cultural Carril del Conde, en el distrito de Hortaleza, acogerá la actuación del grupo Groove&, formado por tres talentosas mujeres percusionistas. Su repertorio se caracteriza por una abundante presencia de percusión y la creación de nuevas canciones inspiradas en ritmos coreanos tradicionales. Sus destacadas actuaciones les han permitido ser seleccionadas en importantes eventos musicales como WOMEX2022 o el Mundial Montreal 2022. Este concierto nace de la colaboración con el Festival Fémina Jazz.

El sábado 28, a las 19:00 h, en el CDI de Arganzuela, la compañía La periférica–Cía. de Cómicos, representará la obra de teatro Solo queda caer, una caricatura sobre el poder y las ambiciones

políticas de sus variopintos personajes. La obra, escrita y dirigida por Raúl Cortés e interpretada por Sara Velasco, Cristina Mateos y Pablo Rodríguez, nos traslada a un pequeño pueblo español situado en el páramo.

Continúa así la amplia programación diseñada por 21distritos, que mantiene su apuesta por llevar la cultura a todos los barrios de Madrid, con actividades multidisciplinares, participativas, diversas y de calidad, totalmente gratuitas y para todas las edades.

Miradas Flamenkas, el festival de la Comunidad de Madrid que propone un encuentro plural y ecléctico del flamenco con otras músicas, celebrará su cuarta edición del 10 de noviembre al 2 de diciembre y lo hará con ocho espectáculos en el Centro Cultural Pilar Miró de Vallecas y una mirada especial a la Escuela Amor de Dios, el mítico centro de formación de flamenco, que cumple 70 años y al que el festival le dedicará una exposición.

José “El Francés”, Karen Lugo, Daniel Caballero, Nerea Carrasco, Yerai Cortés, Pepe Bao, y José “El Ciego”, Sara Jiménez y Pablo Rubén Maldonado ponen nombre propio al cartel de esta edición, de los que la mitad ha pasado por las aulas de Amor de Dios.

Bajo el leit motiv de MezclaDos, Miradas Flamenkas hace referencia en su edición de este año a las fusiones con la música senegalesa o marroquí; “sorprendentes encuentros de los que tanto saben los rincones de una escuela pionera como Amor de Dios, también, en programar talleres de danza y percusión africana”, según la directora del festival, Paloma Concejero. Y es la variedad, la pluralidad en torno a un flamenco que se encuentra o se funde con otras músicas, lo que hace singular este encuentro musical, abierto a la búsqueda de nuevos caminos.

No cabe duda de que Amor de Dios ha contribuido a lo largo de su historia a ensanchar el flamenco hasta convertirse en una escuela de referente mundial para el arte jondo. Su actual director, Joaquín San Juan, es el “padre artístico” de varias generaciones de flamencos, como pueden atestiguar varios de los invitados a Miradas Flamenkas que pasaron por sus aulas.

El festival ofrecerá siete estrenos absolutos de los ocho espectáculos programados, uno por cada una de las décadas de vida del centro Amor de Dios. José “El Francés” estrenará el 10 de noviembre Miradas Flamenkas y su propio espectáculo para recordar que hace treinta años un disco suyo, Las calles de San Blas, puso patas arriba el Nuevo Flamenco.

Así nace 30 años: de San Blas a Vallecas, donde junto a sus grandes éxitos sonarán deliciosas versiones como Procuro olvidarte, la última que ha dedicado al gran maestro jerezano Manuel Alejandro. El gran guitarrista Yerai Cortés llegará a Vallecas el sábado 11 de noviembre “escoltado” por seis mujeres, formando algo así como una “Big Band del compás” para un recital de guitarra flamenca sencillo y minimalista, “hecho a la antigua”.

En él este joven intérprete, que estudió en Amor de Dios, mostrará su pasión flamenca arraigada en su infancia, en los sones que su padre Miguel Cortés sacaba a la guitarra. Desde su cuna familiar despegó para transformarse en una figura que hoy igual acompaña a Farruquito que a C. Tangana, mientras prepara su primer disco y lanza su carrera en solitario como concertista.

African Flamenco N ́Gawa, el concierto del 17 de noviembre, es pura mistura dirigida por un veterano: el bajista Pepe Bao, que supo ver antes que nadie lo bien que se dan la mano lo lejano y lo cercano, lo africano y lo flamenco, gracias al ritmo norafricano conocido como gnawa, la música con la que se alaba a Dios bailando.

A Bao le acompaña Sidy Samb, aportando letras en wolof, lingala, bambara, poular, francés, inglés, euskera y español, vehículo del mensaje que pretenden transmitir, un mensaje de encuentro, fusión y raíces. Ese mismo fin de semana, pero el 18 de noviembre, el festival viaja a la “fiereza moderna” de la coreógrafa y bailaora Sara Jiménez en Musa mía, una obra de flamenco contemporáneo que toma su punto de partida en el verso de Rafael Lasso de la Vega “Allí donde el silencio se rompió las musas danzaron”.

La bailaora granadina ofrece el segundo fruto, tras Adioses, del grupo con el que inició una nueva andadura en 2022 Sara Jiménez en Compañía. En Musa mía reflexiona sobre el silencio que precede a toda creación, entendida esta como el arranque de la relación amorosa con su danza y con su lugar en el presente, pero también como celebración de la existencia.

De su crecimiento como artistas en la Escuela Amor de Dios también pueden hablar Daniel Caballero y Nerea Carrasco, que firman el 24 de noviembre Equilibrio. El propio Caballero asegura con orgullo que todo lo que es y ha conseguido apunta a la generosidad del actual director de Amor de Dios, Joaquín San Juan. “Ha nacido para ayudar a otros y ver crecer la semilla del talento”, afirma el bailaor madrileño.

Equilibrio es la historia de ambos artistas, con dos caminos distintos que se alimentan, se complementan y se enriquecen. En escena, ambos experimentan con diferentes aspectos en la vida y en el arte buscando su propio camino. Otra de las propuestas originales de Miradas Flamenkas la protagoniza el 25 de noviembre la bailaora y coreógrafa mexicana Karen Lugo con su personalísimo OuTSIdErS junto al Mezcal Quartet.

Música tradicional senegalesa, ibérica y latinoamericana se entrelazan en este viaje que Lugo emprende junto a Momi Maiga, Aleix Tobías, Guillem Aguilar y Carles Denia, y en el que el flamenco actúa como puente y amalgama en un diálogo donde la improvisación se convierte en protagonista. El 1 de diciembre sonará el “intimismo salvaje” de  Vibraciones/Emociones con el granadino Pablo Rubén Maldonado. Puro lirismo al piano y en la voz del recién nominado a los Grammy, Diego Guerrero.

Juntos llevarán la música al interior del público a través del flamenco, el jazz, la música clásica o el rap, fruto del bagaje de Maldonado, considerado uno de los mejores pianistas del flamenco actual, que ha creado su propio lenguaje en el piano sin imitar la guitarra.

El festival echará el telón con un impactante final, la presentación en Madrid de José “El Ciego”. Con Siempre diferente se dará a conocer a uno de los artistas más interesantes del panorama actual. A medio camino entre Bambino y Raimundo Amador pero fiel a sí mismo, su presencia en redes le ha catapultado como un nombre imprescindible por su originalidad y por su virtuosismo a la guitarra.

Acompañado por músicos de primera talla en la batería, el violín, el piano, el bajo y la guitarra, El Ciego transportará al público a la época antigua del flamenco, a los sonidos de la zambra de Granada, de la farruca y de los tarantos, ofreciendo una experiencia única de un flamenco personal y virtuoso que extiende su magia al baile.

La gran exposición dedicada al Centro de Arte Flamenco y Danza Española Amor de Dios, Por Amor de Dios, 70 años bailando. Mezclados, la componen fotografías, cuadros y material audiovisual que permitirán al visitante conocer algo de las principales figuras que han jalonado la historia de la escuela, así como la propia historia de Amor de Dios.

Entre las fotografías, que cuelgan de las paredes del centro de enseñanza o se encuentran en sus archivos, destacan las de autores como Shin Yamazawa, Tato Olivas, Ariane Delacampagne... así como otras de autor desconocido rescatadas de antiguas publicaciones en prensa.

Junto a ellas figuran carteles promocionales, anuncios de actuaciones, retratos dedicados, premios y reconocimientos, collages... en definitiva un valioso material gráfico muy diverso, tanto de artistas como de la propia escuela, todo él, como en el caso de las fotografías, procedente de los fondos de este centro de enseñanza. El material audiovisual seleccionado lo componen extractos de documentales y reportajes del día a día de la vida en la escuela y de la lucha que ha supuesto para la dirección el mantenimiento de la misma.

Amor de Dios existe gracias a Juan María Martínez de Bourio Balanzategui, Juan María Bourio, como se le conocía en el mundo artístico, o don Juan, como le llamaban en su círculo más próximo en señal de respeto, según recuerda su actual director del centro Joaquín San Juan.

Desde 1952, en que transforma su viejo almacén de la calle Montera en estudio de danza como sede de ensayos de la compañía de Antonio El Bailarín, hasta 1993, año en que se retira, varías generaciones de artistas conocen bien la labor de apoyo y mecenazgo de Bourio.

En 1957, señala San Juan trasladó su estudio a la calle Amor de Dios, de la que el estudio tomará su nombre, donde se incorporan Victoria Eugenia, Pedro Azorín, María Magdalena, Elba Roy el maestro Granero, y posteriormente Tomás de Madrid, Maruja Palacios, La Tati, Paco Fernández, Ciro, El Güito. Algo más tarde, Merche Esmeralda, Paco Romero, Cristóbal Reyes, Carmela Greco, Candela Soto, Carmen Cortés, La China, entre otros grandes profesionales que convierten Amor de Dios en un referente mundial.

El trabajo desarrollado en las primeras dos décadas eclosiona en la de los 70 y ya llegan riadas de personas de todo el mundo ansiosas de recibir formación con sus maestros. En 1993, anciano, agotado y sin recursos económicos, se produce la jubilación de Bourio y con ella se anuncia el fin de Amor de Dios que, con el apoyo decidido de los maestros del centro y de las entidades del flamenco, se consiguió evitar. Las instituciones otorgaron una ayuda económica para que se inicie la adaptación de un local provisional, mientras se terminaba el entonces proyecto de Centro de las Artes y la Cultura de la Comunidad de Madrid, donde tendría su sede permanente Amor de Dios.

Pero este proyecto, que no llegó a nacer, no se concretó. Por fin, recuerda el director de Amor de Dios, en 2002 se consiguieron los locales de la planta alta del Mercado de Antón Martín, inaugurados en agosto de 2003 con una clase magistral de El Güito y donde permanece en la actualidad, con las mismas dificultades y con el mismo espíritu de siempre.

Además de esas decenas de miles de practicantes que han recibido formación hay que añadir las de los grandes artistas que también lo hicieron. A Antonio Gades, podemos añadir los nombres de Víctor Ullate o José Antonio, y junto a ellos los profesionales más destacados de varias décadas del género español hasta los hoy reconocidos por los grandes públicos: Antonio Canales, Lola Greco, Joaquín Cortés, Sara Baras, Rafael Amargo...

Además de los maestros históricos, se incorporan otros más jóvenes corno Belén Maya, Belén Fernández, Miguel Cañas, Antonio y Manuel Reyes, Domingo Ortega, La Truco, Adrián Galia, Rafaela Carrasco, Inmaculada Ortega y otros más; y siguen llegando gran número de alumnos de los cinco continentes, entre ellos los hoy consagrados Rocío Molina, José Maya, Marco Flores, Olga Pericet, Alfonso Losa, Concha Jareño, Manuel Liñán, María Juncal o Rafael Estévez.

Los cuatro estrenos absolutos de la segunda semana de Suma Flamenca recorren paisajes del sur (Granada, en la guitarra de Juan Habichuela “nieto", del Levante a Málaga en la flauta de Trinidad Jiménez y paisajes del alma en la Esencia del bailaor Pepe Torres y en la Vuelta al sol del también bailaor Nino de los Reyes.

Estos espectáculos forman parte de los doce que ha programado del martes al domingo el principal festival de flamenco de España, que organiza la Comunidad de Madrid hasta el próximo 5 de noviembre en la capital y tres municipios de la región.

El estreno absoluto de Sacromonte abre en Teatros del Canal los recitales de esta segunda semana de Suma Flamenca. El título alude al barrio granadino donde nació el guitarrista Juan Habichuela “nieto”, barrio en que se mezclan el flamenco y el sonido árabe inspirado en la Alhambra.

En este recital, Habichuela, perteneciente a una de las dinastías más importantes y longevas del flamenco, hace un recorrido por los distintos palos del flamenco, acompañado de Juan Carmona (percusión) y David Moreira (violín).

La flautista y compositora almeriense Trinidad Jiménez también está de estreno en Suma Flamenca (mañana miércoles, Teatros del Canal), con una mirada que recorre las sonoridades, cantes y espacios compartidos del flamenco que se cultiva entre el Levante y Málaga.

Jiménez está encuadrada en la nueva generación de creadores que navega con solvencia en el flamenco hibridado con otras estéticas y se la considera una de las discípulas y herederas del lenguaje del gran Jorge Pardo.

El contrabajista Javier Colina y sus compañeros Josemi Carmona (guitarra) y Antonio Serrano (armónica) estrenan en la Comunidad de Madrid (jueves, Teatros del Canal) Chalabeando, que es una forma de decir revolviendo, agitando, meneando. ¿Y qué chalabean? Pues repertorios antiguos, juntándolos con los nuevos para ofrecer un resumen y una síntesis de las músicas que han venido escuchando y viviendo desde que se conocieron. Así, saltan descaradamente, con alegría, del jazz, al flamenco, del flamenco a las músicas latinas en un carrusel que no tiene fin.

El viernes Ramón Jiménez lleva a Teatros del Canal Rajira, sus nuevas creaciones a la guitarra, inspiradas en recuerdos de su infancia frente al mar Cantábrico, los sonidos que le acompañaron en el barrio madrileño de Cañorroto y los silencios de los caminos castellanomanchegos por los que transita. Alegrías, taranta, bulerías, minera, tangos, seguiriya y soleá pasan por sus manos con la sabiduría de la madurez.

La Fabi (Arcos de la Frontera) y El Turry (Granada) protagonizan ese mismo día un Encuentro en Vallecas en el Centro Cultural Paco Rabal. Poderío de ella, matices de él, dos ecos diferentes y dos formas de abarcar el cante flamenco que provocan un atrayente choque de estilos en una amalgama inspiradora y auténtica.

Recuerdos, conflictos, miedos y esperanzas discurren en las cinco escenas de Ser, ni conmigo ni sin mí, de la bailaora Mercedes de Córdoba (viernes, Real Coliseo Carlos III de San Lorenzo de El Escorial).

Considerada una de las bailaoras más poderosas y auténticas de su generación, Mercedes de Córdoba, Premio Nacional de Flamenco en 2013, plasma diferentes estados de su mundo interior en un solo, al que rodean el guitarrista Juan Campallo, los cantaores Pepe de Pura y Jesús Corbacho y la percusión de Paco Vega.

La cantaora Sandra Carrasco y el guitarrista David de Arahal homenajean el sábado en Teatros del Canal el universo de Pepe Marchena en Recordando a Marchena. Sin perder las raíces, reinterpretan el cante del artista, uno de los más queridos y a la vez criticados de la historia del cante.

El cantaor Rafael de Utrera, en plena madurez artística y personal, dedica, por su parte, en Fui piera, un sentido y obligado homenaje a su cuna y a los sones que la mecieron, un tributo de amor y respeto a una tierra cantaora y a los hombres y mujeres que con su arte la han hecho única y diferente en el universo flamenco: Utrera. El sábado en el Centro Cultural Paco Rabal.

El tercero de los estrenos absolutos de la semana lo protagoniza el bailaor Pepe Torres (sábado, Real Coliseo Carlos III de San Lorenzo de El Escorial). En Esencia alude al arte de una generación que conserva y guarda el sentir de una expresión identificada desde la cuna como lenguaje, forma de vida y transmisión.

Nacido en la localidad sevillana de Morón de la Frontera, Torres refleja, como muestra en Esencia, el binomio perfecto tradición/evolución. Recoge el legado de sus mayores y lo adapta a sus maneras de sentir y expresar, de manera tan señera que es un referente de cómo transmitir lo recibido, enriquecido con la propia personalidad.

Estela Alonso también se interna en el legado cultural para reivindicar la escuela bolera en A mi manera 2.0 (sábado, Teatro Municipal Las Cigüeñas de Hoyo de Manzanares). Como ella sostiene, una escuela bolera evolucionada y traída a la actualidad, enriquecida con los ritmos flamencos y la danza contemporánea, quitándole esa etiqueta a la escuela bolera de algo arcaico y de otro siglo.

Nino de los Reyes completa el cuarteto de estrenos absolutos de la segunda semana de Suma Flamenca con Vuelta al sol (domingo, Teatros del Canal), en la que este director creativo de la emblemática escuela de danza Las Cabales en Guadalajara (México) ejecuta un solo, asistido en la dirección por Jesús Carmona. Único bailarín en la historia premiado con un Grammy de la música (en 2020) por su participación en el álbum Antidote, del legendario maestro Chick Corea, De los Reyes echa la mirada en Vuelta al sol a un reencuentro consigo mismo.

La que muchos consideran la mejor guitarrista flamenca del panorama contemporáneo, Mercedes Luján, cierra los recitales de Suma Flamenca el domingo con Íntimo (Real Monasterio de Santa María de El Paular de Rascafría). La intérprete murciana se presenta con una primicia: los temas que formarán parte de su primer trabajo discográfico. El público podrá apreciar la extrema delicadeza de su técnica y su toque clásico, con ecos de Morón, Melchor y Jerez

El Teatro Pavón presenta del 11 al 13 de noviembre la producción Cosas de niños, protagonizada por los actores Alfonso Sánchez y Alberto López, conocidos por los populares personajes de Los compadres, en la que ofrecen un nuevo ejemplo de su humor costumbrista y cercano, ácido y crítico, con el que se identifica su legión de seguidores.

Cosas de niños es una comedia para adultos en la que subyace esa mala leche patria de la que el dúo no se ha querido despegar en ningún momento. Esa mala leche incómoda, pero también provoca, ironiza, duele, avergüenza, empatiza y te puede hacer reír desde lo más hondo de las entrañas.

Colocando al público frente a un espejo, un reality, un grupo de WhatsApp, los protagonistas, Toño y Gonzalo, se van a convertir en esas dos Españas irreconciliables en la teoría, y de abrazo y convidá en la barra de taberna.

Alfonso Sánchez y Alberto López se han convertido en los mejores narradores de la etapa más reciente de nuestro país. Lo han hecho desde la comedia y sobre todo desde la creación de unos personajes arquetípicos a los que el público rápidamente ha identificado: Los compadres. Con ellos han conseguido una enorme aceptación popular plasmada en millones de seguidores.

Además, representan también la nueva generación que se ha implantado en el audiovisual andaluz y que triunfa a nivel nacional. A día de hoy representan una de las parejas más exitosas de nuestro cine.

Las producciones desarrolladas por el dúo cómico, a través de la productora Mundoficción, han obtenido el respaldo de instituciones, crítica y público, siendo seleccionadas y premiadas en numerosos festivales nacionales e internacionales. En el ámbito cinematográfico, Sánchez destaca por sus largometrajes El mundo es nuestro, El mundo es suyo, Para toda la muerte y El mundo es vuestro, todas escritas, dirigidas y protagonizadas por él.

En 2014 amplió sus horizontes a las artes escénicas con la producción de la primera adaptación teatral de la obra de Arturo Pérez-Reverte Patente de Corso, que contó con 28.768 espectadores.

En 2016 continuó su recorrido teatral con el estreno de la exitosa comedia Compadres para siempre con 39.129 espectadores y en 2018 llevaron a escena los sainetes de los Hermanos Álvarez Quintero Ganas de reñir y Sangre gorda bajo la dirección de Arturo Pérez-Reverte y de la mano de Fundación Cajasol. En esta línea continúan hasta hoy con el estreno en 2021 de los espectáculos Cosas de niños y Homenaje a los Hermanos Álvarez Quintero y Somos Carajotes a finales de 2022.

La décima muestra de creación escénica Surge Madrid en Otoño, que organiza la Comunidad de Madrid, pone el punto y final a su última semana con tres estrenos de creadoras.

El primero se verá en Nave 73 (25 y 26 de octubre), GINKGO de Virginia de la Cruz, una pieza en cuatro actos, cada uno de ellos inspirado en una estación del año, que profundiza sobre cómo afecta el paso del tiempo a las relaciones personales a través de un lenguaje escénico que combina danza, movimiento, música, imágenes y texto.

El 28 y 29 de octubre, las dos últimas jornadas del festival, Lucía Marote estará con (des)aparecer en Réplika Teatro. Una pieza que construye al espectador un universo de imágenes para enfrentar la existencia como un acto de fe, entrega o juego, un recorrido ficticio que nos precipita a una caída sin fin.

En la sala aZarte el 27 y 29 de octubre a las 20.00hrs y 19.00hrs, la compañía del mismo nombre, liderada en este trabajo por Víctor García León, estrenará Dentro y Fuera, en la que cuatro actores entran y salen de escena para mostrar el contraste entre lo luminoso y sofisticado del mundo del espectáculo, mientras la desorientación reina en sus vidas.

Por último, también en la sección Estrenos, Laura Garmo tendrá el lunes 23 en la Sala ExLímite, la última función de su obra de teatro asociativo y danza contemporánea, Caminando, una creación colectiva desarrollada a partir de los ‘Apuntes para descolonizar el inconsciente’ de Suely Rolnik.

Qué vienen los grises. Un paseo de violetas de El Curro DT que estará el 28 de octubre (información del lugar por confirmar), una propuesta que ahonda en los lugares prohibidos para la homosexualidad y bisexualidad, durante el franquismo por considerarse no sólo pecaminosas sino delito y enfermedad.

Y la actividad dirigida por Carmen Aldana, vulnerasti cor meum / Madrid, desarrolla en Teatro de las Aguas el 29 de octubre, una performance colectiva con todos los participantes de los paseos guiados diarios que se han realizado por las campanas de la capital. Voces al atardecer (Teatro Ty Tyl, 29 de octubre) de Raúl Marcos extiende una invitación a contemplar una puesta de sol mientras se escucha un audio, con el fin de proporcionar un marco de contemplación consciente y compartida.

Y, entre algunas de las Trasversas que vuelven a la agenda de esta semana de cierre, estarán Rimas y cervezas de Blas Nusier (Réplika Teatro, 28 de octubre), una reflexión sobre la destrucción del planeta a causa de la estupidez humana; la performance, La poesía y el discurso (27 de octubre, Umbral de Primavera) de Éskaton, integrado por Miguel Deblas y George Marinov que proponen una idea original sobre la presencia de discurso político en la creación artística. Y, ambas en Teatro Ty Tyl, Technoestrellas de Jonatán Fernández (28 de octubre) y Doña Algodón de Manuel De (29 de octubre).

Cerrando el festival, casi a golpe simbólico, se celebrará en el vestíbulo de Umbral de Primavera, la exposición La venganza de los servilleteros (Escribe tu propia servilleta III) de Manuel Benito, una recolección de frases y pensamientos recogidas entre los espectadores a lo largo de este mes de festival: una fiesta de la servilleta.

Los Cines Capitol exhibirán del 26 al 28 de octubre la 15ª edición del Festival de Cine Coreano en España 2023 con una programación que acogerá cinco películas históricas y que además contará con el estreno en España de Sueño Prohibido (Forbidden Dream) (2019) de Hur Jin-ho. El festival está organizado por el Centro Cultural Coreano en España en colaboración con KOFIC (Korean Film Council), BigStar History del reconocido profesor de historia coreana Choi Tae-sung y Cinepinhouse de Corea del Sur.

Todas las películas que lo conforman muestran una vista histórica de la Dinastía Joseon, una de las dinastías más importantes y duraderas de la historia de Corea, la cual dejó una profunda influencia en la cultura, la política y la sociedad de la península coreana. Las obras retratan la vida de la realeza, los cambios políticos, conflictos y las historias de amistad y sacrificio en ese contexto histórico. A fin de un mayor entendimiento y acercamiento a Corea, el festival mostrará los hechos históricos más relevantes vividos en Corea y en España desde el siglo XIV al XIX.

La película que inaugura estas tres jornadas de descubrimiento de la historia coreana es Sueño Prohibido (Forbidden Dream) (2019) dirigida por Hur Jin-ho e interpretada por dos grandes actores, Choi Min-sik y Han Suk-kyu. El film combina elementos de drama y biografía y está centrada en la vida y la amistad de dos figuras de la dinastía Joseon, el rey Sejong el Grande, el gobernante más importante de la historia de Joseon que buscó mejorar la prosperidad del país a través de la astronomía y creando el Hangeul o idioma coreano, y Jang Yeong-sil científico, inventor y astrónomo coreano, ampliamente reconocido por la creación del reloj de agua, sus avances en astronomía y el desarrollo de instrumentos científicos.

El festival permitirá conocer la histórica batalla de Hansan con la segunda película de la trilogía de Kim Han-min: La Batalla del Dragón (2022). Esta película de acción bélica estrenada en 2022 es la precuela de Roaring Currents (convertida en la película más taquillera de Corea del Sur), y está centrada en la batalla de Hansando, la cual, en el marco de las invasiones japonesas a Corea, enfrentó el 14 de agosto de 1592 a la flota japonesa al mando del almirante Wakizaka Yasuharu y a la flota coreana al mando del almirante Yi Sun- sin. En ella Park Hae-il (Memories of murder, Decision to Leave) es el que interpreta al almirante Yi Sun-sin. La película obtuvo 8 nominaciones en los Blue Dragon Film Awards el pasado año.

El director Lee Joon-ik (Dongju, Anarchist from colony) trae otra gran historia biográfica de personajes importantes de la historia de Corea en blanco y negro, The Book of Fish (2021) galardonada con numerosos premios entre ellos el Gran Premio de los 57º Baeksang Arts está protagonizada por Sol Kyung-gu y Byun Yo-han. En 1801, durante el período de persecuciones católicas producidas en el reinado de Sunjo, ordena el exilio a la isla de Heuksando para el erudito Chung Yak-jeon; este conoce allí a un joven pescador (Chang- dae), admirador del confucianismo y de gran conocimiento sobre el mar. Con la ayuda de este Jeong escribe entonces Jasaneobo, el primer libro de biología marina de Corea, basado en la observación directa y el estudio de los peces que viven en las aguas costeras de la isla. La película destaca por su diálogo y caracterizaciones ya que el director Lee Joon-ik tiene el don de lograr la interacción del espectador con pantalla.

Además, esta edición proyectará Fengshui (2018) del director Park Hee-kon es la tercera película de la trilogía del ying y el yang del cine coreano. En ella Park Jae-sang, un geomántico real, ayuda a la gente a designar un sitio propicio para casas, tiendas e incluso tumbas bajo la creencia de que una tumba en un buen sitio traerá futura fortuna para los descendientes. Este perderá a su familia al exponer una conspiración sobre la tumba del Príncipe Heredero, pero planeará venganza, aunque esto le hará darse cuenta de que hay una conspiración mucho más grande detrás.

Completa la programación The Last Princess(2016) de Hur Jin-ho. Una película basada en hechos reales y la novela ¨Deokhyeongjoo¨, la más vendida de Kwon Bi-young. Y describe la vida de la princesa Deokhye, última princesa de la dinastía Joseon, quien sufrió el exilio y las dificultades durante la ocupación japonesa de Corea en la primera mitad del siglo XX. Una historia dramática y sentimental que permite empatizar con el espectador a través de sus escenas.

El director del Centro Cultural Coreano y Agregado de Cultura y Prensa de la Embajada de Corea en España, Shin Jae-kwang ha señalado la importancia de esta 15ª edición al convertirse en un encuentro con las emociones y la historia de Corea el cuál facilitará al espectador situarse en las fechas y en el contexto histórico de ambos países.

Tras el enorme éxito de crítica y público, la compañía aragonesa Nueve de Nueve Teatro vuelve mañana a subir la persiana de su ferretería con 6 únicas funciones en Madrid en el Teatro Pavón. Hasta el próximo 29 de octubre, el público madrileño podrá volver a disfrutar de este musical con piano en directo y tintes de melodrama, humor, misterio y referencias a Buñuel, Fellini, Kurt Weill, Jaques Brel, Chaplin, Rufus Wainwright y al folclore nacional.

La pareja artística Jorge Usón ('Las noches de Tefía', 'Veneno', 'Voy a pasármelo bien') y Carmen Barrantes ('Plátanos, cacahuetes y lo que se viento se llevó', 'Twist', 'La Extinta poética'…) acompañada al piano por Néstor Ballesteros volverán a encarnar a Esteban y Marigel, los ferreteros aragoneses que deciden ir un día al teatro y a partir de ese momento ya no podrán ser los mismos porque la música posee a Esteban literalmente y convierte su vida en un grotesco musical, en un volcán de emociones.

Ferretería Esteban abrió la temporada del Teatro Español de Madrid en 2020 con gran acogida después del cierre histórico por el confinamiento. Fue distinguida como mejor espectáculo de ese año por varias publicaciones nacionales. Este “esperpento musical”, como lo define la propia compañía, escrito y dirigido con José Troncoso, fue galardonado con el Max a Mejor Composición Musical para Mariano Marín y el Max a Mejor Labor de Producción para Nueve de Nueve Teatro, además de nominado a Mejor Espectáculo Musical. La compañía ya contaba con un Premio Max a Mejor Espectáculo Musical conseguido por 'Cabaré de Caricia y Puntapié', junto a la compañía El Gato Negro.

Se acerca la noche más terrorífica del año, y como es tradición, intu Xanadú ya ha anunciado cuál es el plan que ofrecerá a sus visitantes para celebrar un Halloween de miedo: ‘La Casa del Terror’.

Así, del 23 de octubre al 1 de noviembre (ambos inclusive), todo aquel que se atreva podrá cruzar el umbral de esta instalación en la que los sustos, las trampas y la aparición de personajes terroríficos harán que su experiencia sea inolvidable.

Dirigido para todas las edades, los participantes tendrán que recorrer e ir pasando por las diferentes estancias hasta encontrar la salida y escapar de ese lugar maldito. La entrada es gratuita y para disfrutar de la atracción, tan solo será necesario ser cliente VIP de intu Xanadú y presentar la tarjeta alojada en la app del centro. La casa se ubicará en Plaza Xanadú (planta baja) en horario de 12:00 a 14:00h y de 17:00 a 21:00 horas (todos los días).

Los visitantes tendrán además la oportunidad de hacerse fotos con Pennywise, el perverso payaso de la película de terror ‘It’, que deambulará por el centro regalando globos a sus nuevas víctimas...

Por último, intu Xanadú ofrecerá una acción de Body Painting a cargo del artista Fernando Santos de Art Maker Studio. Un espectacular proceso de transformación que los asistentes podrán presenciar y fotografiar durante el tiempo que tarde el artista en maquillar el cuerpo de la modelo. Tanto el payaso de ‘It’ como la acción de Body Painting podrán verse los días 28 y 31 de octubre y 1 de noviembre, en horario de 17:00 a 21:00 horas.

Bebel Gilberto, un nombre perteneciente a la ‘aristocracia’ de la bossa nova, es la primera gran diva que hace acto de presencia en la programación oficial de JAZZMADRID23, organizado por el Área de Cultura, Turismo y Deporte. Gilberto hará las delicias del público que acuda el próximo 27 de octubre a los Teatros del Canal, dentro del ciclo Villanos del Jazz que está integrado en la programación oficial de JAZZMADRID.

Como cada año, JAZZMADRID se esfuerza para que las voces y músicas femeninas brillen con luz propia y ocupen el espacio que se van ganando en el universo jazzístico. Tras Gilberto, llegarán otras muchas entre las que destacan Patricia Barber, Corinne Bailey Rae, Kaki King, Sarah McKenzie, Stacey Kent, Samara Joy, Mayra Andrade, Fatoumata Diawara, Cécile McLorin Salvant o María Gadú dentro del panorama internacional, quedando la geografía local representada por Andrea Motis, Ángela Cervantes, Irene Reig, Martirio o Eva Catalá.

Gilberto es hija de João Gilberto y sobrina de Chico Buarque, y es conocida como la reina de la bossa nova electrónica desde hace dos décadas. Ahora acaba de lanzar un disco versionando las composiciones de su padre; se titula João y ella lo define como una carta de amor a su progenitor, con quien empezó a cantar cuando era una niña y cuya herencia como precursor de la bossa nova fue tan inspiradora para media humanidad. Aterriza en Madrid con más de dos millones de discos vendidos y colaboraciones con artistas de la talla de Arto Lindsay, Thievery Corporation, David Byrne, Towa Tei, Caetano Veloso o el propio Chico Buarque, y remezclas y producciones a cargo de Marius De Vries, Mark Ronson o Mario Caldato Jr.

El mismo día que actúa Bebel, debuta en España Azymuth. Lo hace en la Sala Villanos y será una oportunidad única para disfrutar de esta leyenda de la música popular brasileña desde hace ya medio siglo. El guitarrista Alex Malheiros es el único componente vivo de la formación original de este grupo, tras el fallecimiento del percusionista Ivan ‘Mamão’ en abril de 2023, a cuya memoria, por cierto, dedica Azymuth esta gira que pasa por JAZZMADRID23. Su personalísima amalgama de jazz, funk, samba, electrónica y música popular brasileña es una referencia para músicos de todo el planeta.

Son los creadores del original estilo sambadoido (samba loca) que han plasmado en una treintena de discos desde 1973. Cincuenta años que motivan esta gira y que les ha dado la oportunidad de colaborar con el rapero Madlib o con el maestro de la bossa nova Marcos Valle, y ser remezclados además por Jazzanova, Theo Parrish, 4 Hero o Ashley Beedle.

Y de los genios brasileños se pasa a los cubanos con el pianista Iván ‘Melón’ Lewis, ganador de un Grammy Latino al Mejor Álbum de Jazz en 2021, que pasará por la Sala Villanos el 29 de octubre. Iván es uno de los nombres esenciales del jazz afrocubano de los últimos tiempos, uno de los pianistas más destacados de su generación, y eso se aprecia especialmente no solo en sus colaboraciones, sino (sobre todo) en sus discos, entre los que destacan títulos como Voyage (2021), que le trajo el Grammy Latino, o el reciente Bembé (2023), su segundo trabajo con The Cuban Swing Express.

Este festival se esfuerza cada año para que la presencia de mujeres en la muestra sea lo más significativa posible, y no solo de vocalistas. Dentro de la selección femenina, Bailey llega al Teatro Pavón el 31 de octubre para presentar su cuarto álbum, Black Rainbows (2023), en el que explora la feminidad negra, el trabajo con hechizos, el espacio interior/exterior, el colapso del tiempo, los antepasados y la música como vehículo de trascendencia.

La cantante ibicenca Ángela Cervantes será la primera en pisar el escenario de CentroCentro acompañada por el pianista cubano Pepe Rivero (3 de noviembre). Esta dama nacional del jazz aborda un espectáculo que permite que su voz arrulle las canciones de la escritora puertorriqueña Sylvia Rexach.

Desde las antípodas, llega a la Sala Villanos el 4 de noviembre Sarah McKenzie, una de esas pianistas y cantantes del jazz contemporáneo que no dejan de revelarse en cada temporada. McKenzie, con cinco álbumes en su haber, ha girado por Europa, Estados Unidos, Brasil, Japón y Corea. El pop, la bossa nova, el american songbook, el blues o el soul son sus principales fuentes de inspiración, aunque por encima de todas ellas sobrevuele su grácil timbre vocal y su virtuosismo al piano.

Otra gran dama del jazz actual y asidua de este festival nos recibirá en el teatro Fernán Gómez – Centro Cultural de la Villa en un concierto realizado en colaboración con Villanos del Jazz, el 10 de noviembre. Se trata de Stacey Kent, que viene dispuesta a volver a colgar el cartel de ‘entradas agotadas’. Neoyorkina de nacimiento, londinense de adopción y amante del idioma francés en sus interpretaciones (lo que le ha valido la Orden de las Artes y las Letras del Gobierno de Francia), su estilo tiene la exquisitez del buen gusto y el rigor del conocimiento.

A partir del 14 de noviembre, Martirio, Samara Joy, Mayra Andrade, Fatoumata Diawara, Cécile McLorin Salvant, María Gadú y Andrea Motis son las grandes estrellas femeninas que brillarán en la galaxia de JAZZMADRID.

Antes, CentroCentro acoge el debut en España de Kaki King el 9 de noviembre. En directo, Katherine Elizabeth King (su verdadero nombre) suele escenificar sus conciertos con elementos visuales, al tiempo que alterna revolucionariamente la afinación de su instrumento y las técnicas sonoras del taping.

Además de King, JAZZMADRID se encargará de subir al escenario a figuras emergentes del panorama jazzístico nacional como Irene Reig o Eva Catalá, y también a las más encumbradas Andrea Motis (encargada de clausurar la programación oficial en el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa), o a la muy veterana Patricia Barber.

Reig llega a JAZZMADRID el 12 de noviembre, gracias a la colaboración del programa AIE En Ruta Jazz. Se trata de una de las representantes más interesantes de las nuevas generaciones de jazzistas en Cataluña. Energía, pasión y espontaneidad es lo que cualquiera que la escuche puede encontrar en su repertorio de temas originales, junto a versiones de algunos clásicos del bebop y el hardbop. La Caja de Música de CentroCentro se convertirá a la llegada de esta saxofonista en un auténtico club de jazz.

Ese mismo día, pero en el teatro Fernán Gómez – Centro Cultural de la Villa, actuará el último cuarteto de la pianista y cantante estadounidense Patricia Barber, una de las voces más enjundiosas del jazz contemporáneo.

La programación oficial de JAZZMADRID se desarrollará en los recintos municipales del teatro Fernán Gómez – Centro Cultural de la Villa, CentroCentro, Centro de Cultura Contemporánea Condeduque y Cineteca Madrid, y también en el Teatro Pavón, en la Sala Villanos (53 conciertos), La Riviera y los Teatros del Canal. En algunas de sus citas, esta programación oficial cuenta con la colaboración de la AIE (Sociedad de Artistas Intérpretes y Ejecutantes de España) y su ya mencionado programa AIE En Ruta Jazz; cuenta, asimismo, con el apoyo de la Embajada de los Países Bajos y, también, del Festival de Jazz de Zaragoza.

Otros eventos que, desde esta misma condición de colaboradores, completan JAZZMADRID se celebrarán en la Biblioteca Nacional de España, el Círculo de Bellas Artes y el Hotel AC Recoletos. De forma paralela a JAZZMADRID, se desarrollarán también el Festival de Jazz de Ciudad Lineal, Jazz en los distritos (una iniciativa de 21distritos) y Jazz con Sabor a Club (iniciativa de Madrid en Vivo), cuya programación íntegra puede consultarse en festivaldejazzmadrid.com.

Las entradas para los conciertos de la programación oficial de JAZZMADRID23 se pueden adquirir en www.festivaldejazzmadrid.com y las de Villanos del Jazz están ya a la venta en https://villanosdeljazz.es/ y festivaldejazzmadrid.com/entradas/.

La Sala Principal del Teatro Español, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, acogerá del 3 de noviembre al 3 de diciembre Poncia, espectáculo escrito y dirigido por Luis Luque a partir de La casa de Bernarda Alba, y otras obras de Federico García Lorca, e interpretado por Lolita Flores. La directora artística del Teatro Español y Naves del Español en Matadero, Natalia Menéndez, ha presentado esta mañana el estreno en Madrid de la obra, junto al propio Luque.

Poncia confronta al espectador con temas como el suicidio, la libertad, la culpa, la conciencia de clase, la educación y el sexo, entre otros. Y lo hace con la fuerza de una voz que ha sido maltratada y callada, en una época en la que a las mujeres la libertad les estaba prohibida. “Poncia siempre me ha sugestionado como ningún otro personaje de los que habitan en la casa de Bernarda Alba”, explica su autor y director, Luis Luque. “Los personajes de las criadas encierran un enigma interesante: son testigos de los avatares de sus dueños y amos, conocen la verdad del interior de las casas y poseen la filosofía oculta de las clases populares”.

El proyecto de Poncia surge tras conocer Luque la intención que José Carlos Plaza tenía de proponerle el papel de la criada a Lola Flores en su mítico montaje de 1984 cuando Miguel Narros dirigía el Teatro Español. Un papel que la artista no pudo representar por problemas de agenda y que, casi cuarenta años después, retoma ahora su hija, Lolita Flores, para reimaginar lo que ocurrió en esa casa después de la muerte de Adela. “Mi madre se quedó con la pena de no interpretar a Poncia, pero algo de ella llevo yo dentro de mí y, si es verdad que la energía no muere sino que se transforma, ella lo estará disfrutando”, cuenta la actriz. “Luis ha sido muy inteligente en sacar un spin-off de La casa de Bernarda Alba. Es muy acertado y coherente lo que ha hecho con esta mujer a la que le importan las injusticias, la poca libertad y no tener voz ni voto”.

Poncia es una producción de Pentación y Teatro Español con texto y dirección de Luis Luque a partir de La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca y pequeños fragmentos de otros textos del poeta como Doña Rosita la soltera, Gacela de la muerte oscura y Alma ausente, interpretada por Lolita Flores, con diseño de espacio escénico de Monica Boromello, diseño de iluminación de Paco Ariza, diseño de vestuario de Almudena Rodríguez y música original de Luis Miguel Cobo.

La función de Teatro Accesible de Poncia tendrá lugar el viernes 10 de noviembre. Este espectáculo está sujeto a JOBO, Joven Bono Cultural, para jóvenes entre 16 y 26 años.

La directora artística del Teatro Español y Naves del Español en Matadero, Natalia Menéndez, junto al director artístico del Teatro Real, Joan Matabosch, han presentado esta mañana el estreno absoluto de la ópera La Regenta, basada en la novela homónima de Leopoldo Alas ‘Clarín’, con música de María Luisa Manchado, libreto de Amelia Valcárcel, dirección musical de Jordi Francés y dirección de escena de Bárbara Lluch.

La ópera, que podrá verse del 24 al 29 de octubre en cinco únicas funciones en la Sala Fernando Arrabal de Naves del Español en Matadero, cuenta con un reparto de excelentes intérpretes formado por María Miro (La Regenta, Ana Ozores), David Oller (El Magistral, Fermín de Pas), Vicenç Esteve (Álvaro Mesía), Cristian Díaz (Don Víctor), Pablo García-López (Paco Vegallana), María Rey-Joly (Obdulia), Anna Gomá (Petra), Laura Vila (Doña Paula) y Gabriel Díaz (El Sapo).

Después de más de un centenar de años, este texto cumbre de Leopoldo Alas ‘Clarín’ se ha hecho un hueco en el repertorio de ópera y se estrena por primera vez gracias a una nueva colaboración entre el Teatro Real y el Teatro Español, que vuelven a unir fuerzas tras el éxito de Tránsito, ópera que pudo verse también en Naves del Español en 2021 y que contaba con dirección musical del propio Jordi Francés.

La Regenta es una historia sobre pasiones, odios, celos y obsesiones que retrata la sociedad española de la época. Ana Ozores, casada con Víctor Quintanar en un matrimonio de conveniencia, tiene una vida solitaria y aburrida, lo que la hace refugiarse en el misticismo. Su confesor, Fermín de Pas, se enamora de ella, pero no es el único, ya que Álvaro Mesía también se convertirá en su amante. Un conflicto amoroso que lleva a la joven a ser rechazada por Vetusta, una ciudad atrapada en las tradiciones del pasado. Tras la Amina de La sonnambula de Bellini en el Teatro Real, Bárbara Lluch vuelve a escenificar otro complejo personaje femenino como es el de Ana Ozores.

La Regenta es una coproducción del Teatro Real y Teatro Español con música de María Luisa Manchado Torres (1956), libreto de Amelia Valcárcel y Bernaldo de Quirós basado en la novela homónima (1884-1885) de Leopoldo Alas, “Clarín”, dirección musical de Jordi Francés y dirección de escena de Bárbara Lluch, interpretada por María Miro, David Oller, Vicenç Esteve, Cristian Díaz, Pablo García-López, María Rey-Joly, Anna Gomá, Laura Vila y Gabriel Díaz, con Andrés Bernal y Magdalena Aizpurua como figurantes, con diseño de espacio escénico e iluminación de Urs Schönebaum, diseño de vestuario de Clara Peluffo, edición musical de Guillermo Buendía, dirección del coro de Josep Vila i Casañas, con el Coro de la Comunidad de Madrid y la Orquesta Titular del Teatro Real.

Una de las estrellas ascendentes del jazz europeo, Vincent Peirani, junto a la cantante Serena Fisseau, y la reguetonera andaluza Lil Ella recalan en el ciclo de conciertos de la  Sala de Cristal de Teatros del Canal los próximos 26 y 27 de octubre respectivamente. Ambas actuaciones forman parte del programa que se desarrolla en la sala más íntima de Teatros del Canal, que acoge hasta el 30 de noviembre 19 actuaciones englobadas en tres ciclos: Canal Flamenco, Canal Jazz y Canal Urbano.

El 26 de octubre el jazz tiene nombre de acordeón, un instrumento inhabitual en esta música. En colaboración con el Institut Français, llega el virtuoso acordeonista francés Vincent Peirani, que se expresa con extraordinaria facilidad en una amplia gama de estilos musicales: el jazz, por supuesto, pero también la canción francesa, la música clásica o la música de cine. En 2013 ganó el prestigioso Premio Django Reinhardt al mejor jazzista francés y dos premios Victoires del jazz en 2014 y 2015, respectivamente.

En la Sala de Cristal comparte el escenario con Serena Fisseau, cantante impregnada de jazz, de música tradicional y de improvisación, que interpreta desde hace muchos años canciones de cuna y canciones infantiles para niños, registros en los que se mueve con soltura y delicadeza en inglés, portugués, francés e indonesio, estas últimas como lenguas maternas.

Peirani y Fisseau invitan al público de Teatros del Canal a un viaje envolvente y delicado con la música del disco So Quiet, un diálogo vibrante y sutil entre la voz y el acordeón, con temas como Duerme negrito, Over the rainbow, La tendresse, What a wonderful world o And I love her, de los Beatles.

El 27 de octubre actuará dentro del Canal Urbano Lil Ella, cantante y compositora andaluza que empezó a hacer música experimental de forma autodidacta. Con solo tres singles editados actuó en las Fiestas de La Mercé de Barcelona, el Festival Brillante y el festival MIL de Lisboa.

En 2019 publicó su EP Caprichoso. Con su primer disco, MYHYV (Mujeres y Hombres Y Viceversa), plasma de una manera desenfadada su imaginario romántico, con una mezcla de reguetón y pop. Tras difundir esta obra alcanzó un gran reconocimiento en medios (Metal, Vein, Vogue...) y empezó una gira de presentación que la ha llevado a actuar en Lisboa, Oporto y la primera edición del Primavera Sound de Madrid junto a artistas como Tokischa y Villano Antillano.

Su música está influida por el reguetón más clásico y primario que representan artistas como Ozuna o Plan B, aunque sus letras y su manera de entender la música comparten camino con el nuevo pop más cotidiano, que habla del amor, la melancolía y las cosas sencillas de la vida. Este año, el ciclo de jazz cuenta con la colaboración del Consejo Territorial de Madrid de la Fundación SGAE, al igual que el ciclo urbano, que además está apoyado por la Sociedad de Artistas Intérpretes y Ejecutantes (AIE) a través del circuito Urbanaie.